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Les grandes figures du blues 1: Sonny Terry et Brownie McGhee.

2009-01-05T12:55:00.006+01:00

Sonny Terry et Brownie McGhee (© Terry Cryer ).

Sonny Terry naquit à Greensboro, Georgie, le 24 Octobre 1911. Tout jeune, il apprend à jouer de l'harmonica auprès de son père. A la disparition de celui-ci, il anime de nombreux medicine shows. Mais, une altercation avec son employeur le pousse à déménager pour la Caroline du nord, chez son frère. Il y rencontre un des bluesmen de la côte est les plus populaires, Blind Boy Fuller, mais aussi le reverend Blind Gary Davis. Progressivement, Sonny perd la vue, ce qui ne l'empêche pas de poursuivre ses activités musicales.

Sonny Terry et Brownie McGhee (© George Pickow).

En 1937 il part pour New York avec Blind Boy Fuller, où ils enregistrent quelques morceaux. Fuller décède en 1940, mais depuis l'année précédente, Terry a rencontré Brownie McGhee (né en 1915) avec lequel il joue épisodiquement, avant de s'associer véritablement avec lui en 1957.

Ce duo complémentaire remporte très rapidement un immense succès, qui les conduit un peu partout dans le monde, jusqu'à leur séparation en 1982.

Terry meurt le 11 Mars 1986 à Minéola, New York. McGhee décède, quant à lui, dix ans plus tard.

Sonny Terry & Brownie McGhee
par fredozydeco

S. Terry et B. McGhee:"Hootin' the blues" (1962).

* Un duo complémentaire.
La force de ce duo tient à sa complémentarité. Bon guitariste, Brownie McGhee possède une voix chaude qui contraste avec celle, éraillée et gouailleuse, de Terry. Harmoniciste virtuose, ce dernier perpétue la tradition musicale des Appalaches, à mi-chemin de la musique blanche et de la musique noire.

Sonny Terry et Blind Boy Fuller: "Lonesome train". Pour ceux qui considèrent que l'harmonica, est un instrument de musique limité...

Comme Leadbelly avant eux, ou Big Bill Broonzy, les deux hommes bénéficient d'une grande popularité, notamment auprès des jeunes amateurs de folks.

Leur répertoire, très riche, alterne blues, chansons traditionnels ou morceaux religieux (exemple: le down by the riverside qui suit).

S. Terry et B. McGhee (accompagnés par Pete Seeger).

Source:
- G. Herzaft: "Le blues", que-sais-Je?, Paris, 1994, p39.

Les pionniers du blues 10: Leadbelly.

2009-01-05T12:39:00.003+01:00

Difficile de savoir ce qui relève de la légende ou de la réalité lorsque l'on aborde le cas Leadbelly. Quoi qu'il en soit, le personnage est fascinant et son existence absolument rocambolesque. Huddie William Ledbetter naquit en 1885 (peut-être trois ou quatre ans plus tard en fait) dans une plantation de Louisiane, mais il grandit au Texas où ses parents déménagent alors qu'il a cinq ans. Assez tôt, il joue de la guitare et gagne sa vie en tant qu'ouvrier.

Woody Guthrie et Leadbelly.

De tempérament bagarreur, Ledbetter n'hésite pas à se faire justice lui-même, avec ses poings. En 1918, il tue un homme au cours d'une rixe, ce qui lui vaut une condamnation à vingt ans de prison qui le conduit dans un pénitencier du Texas. Il n'effectuera "que" sept ans de sa peine. Il obtient sa grâce du gouverneur de Louisiane, après , dit la légende, l'avoir séduit en lui dédiant un blues de sa composition... En fait, il doit sa libération à sa bonne conduite.

Leadbelly.

Il retourne néanmoins derrière les barreaux pour une tentative de meurtre. Par chance, en 1930, les musicologues John et Alan Lomax, venus dans le sud pour enregistrer et sauver des chants traditionnels pour le compte de la Bibliothèque du Congrès, croisent sa route, alors qu'ils visitent le pénitencier d'Angola, en Louisiane. Avec l'appui des deux hommes, il obtient sa grâce du gouverneur.

En 1934, il part pour New York et sert d'homme à tout faire aux Lomax (chauffeur notamment) et commence à enregistrer. Il se produit bientôt devant un public blanc fortuné et influence durablement la jeune scène folk de Greenwich village en pleine gestation. Il sera aussi un des premiers bluesmen à se produire en Europe. C'est d'ailleurs au début d'une de ces tournées qu'il décèdera en 1949, à l’âge de 64 ans.

* Un songster au répertoire impressionnant.

Leadbelly ("ventre de plomb" en français), son nom de scène qui va comme un gant à ce gaillard de deux mètres, peut-être considéré comme un des pères du folk-blues. Adepte de la guitare à 12 cordes, il possède un jeu puissant, bien qu'un peu frustre.
Leadbelly est un songster, une véritable mémoire musicale vivante. Ainsi, il ne compte pas moins de quatre cents titres à son répertoire:

- des chants de travail ou de très vieux airs datant d'avant le blues: "pick a bale of cotton" par exemple,

- des airs religieux,

- des blues ruraux à l'instar de "good morning blues",

- des ballades folkloriques telles qu'"Alabama bound" ou "John Henry" et des chants de cow-boys,

Leadbelly:"Gallis pole".

- enfin quelques compositions originales: "Angola blues" (du nom du pénitencier où il séjourna quelque temps).

Leadbelly:"where did you sleep last night?".

* Un des blesmen les plus repris.

Leadbelly devint très vite un modèle pour de nombreux rockers. Les deux exemples qui suivent le prouvent:

- D'abord, le groove communicatif du Creedence Clearwater Revival reprenant un des fleurons du répertoire de Leadbelly: "Midnight Special".

- La reprise du morceau Where did you sleep last night par Nirvana.

Source:
- Gérard Herzaft: "le blues", Que-sais-Je?, Paris, 1994.

Liens:
- Sur ce blog: Histoire des Afro-américains en musique (3) : blues et folk-blues.
- Leadbelly sur la Hype machine.
- Dans l'article que Wikipédia consacre au personnage, il est intéressant de lire la section héritage musical, très impressionnante.
- House of the rising sun :histoire d'un standard, chanté, entre autres, par Leadbelly. Même chose pour le morceau Black betty.

Sur les traces du Blues

2009-01-04T14:48:00.005+01:00

Les grandes figures du blues :

1: Sonny Terry et Brownie McGhee
2: Jimmy Reed

Les pionniers :

Des Blues sur l'histgeobox :

2. J.B. Lenoir:"Alabama blues" Blues sur le racisme qui gangrène le Sud profond.
69. J.B. Lenoir:"Vietnam blues (1966) Blues dénonçant le conflit au Vietnam.
181. Walter Roland :"T Model Blues" (1933) Un Blues pour la Ford Model T
113. Big Bill Broonzy: "Black, brown and white" Un blues qui dénonce les lois Jim Crow, institutionnalisant la ségrégation aux Etats-Unis.
137. Randy Newman:"Louisiana 1927". (1974) Grande chanson de Newman sur la dramatique crue du Mississippi en 1927 (on ne peut s'empêcher de songer à l'incurie des autorités 78 ans plus tard, lors du passage de Katrina, en Louisiane).

Des BD et des mangas sur le Blues :

Le Blues, ce n'est pas qu'en Amérique...

A la découverte du blues touareg

Les pionniers du blues 9: blind Gary Davis.

2008-12-31T18:31:00.003+01:00

Le révérend Gary Davis.

Gary Davis naquit en 1896 en Caroline du sud. Il apprit très jeune à jouer de la guitare. Il se forge son style de guitare d'une rare virtuosité. Comme beaucoup d'autres musiciens aveugles, les débouchés sont minces, il devient chanteur de rue.

Très pieux, il fréquente les églises et se spécialise logiquement dans le gospel. Ordonnée ministre baptiste en 1933, il se fera désormais appelé Révérend Gary Davis et n'aura de cesse de prêcher dans les rues, accompagné de sa seule guitare. Il effectue une première série d'enregistrements en 1935.

Au cours des années 1940, Davis s'installe à New York et prêche dans les rues de Harlem et du Bronx. Il fréquente les musiciens folk de la ville, auprès desquels il aura un grande influence (sur Bob Dylan notamment).

Reverend Gary Davis - Death Don't Have No Mercy
envoyé par mrdantefontana

Davis possède un très riche répertoire mélangeant gospel, blues et rag, joués à la guitare acoustique, dont il maîtrise à la perfection la technique du picking. Il peut, en outre, s'appuyer sur une belle voix rauque et puissante.

Découvrez Reverend Gary Davis!

Blind Gay Davis: "Cincinnati flow rag".

Découvrez Reverend Gary Davis!

B.G.D. "I saw the light".

Liens:
- Un site très complet consacré au révérend.
- Une biographie en anglais sur Allmusic.com.

Les pionniers du blues 8: Blind Willie McTell.

2008-12-29T22:53:00.010+01:00

Blind Willie McTell.

Blind Willie McTell naquit à Thompson (Géorgie) en 1901. Initié à la guitare par sa mère en 1914, ce musicien aveugle débute comme chanteur de rue et ménestrel de spectacles itinérants, les medicine shows. Très rapidement, il devient extrêmement populaire dans la région d'Atlanta. De 1927 à 1956, il enregistre abondamment pour de nombreuses maisons de disques et sous des noms différents.

McTell est un bluesman emblématique du blues de la côte Est, décrit avec brio par Gérard Herzaft: "dans toutes les régions entourant les Appachales (Carolines, Virginies, Kentucky, l'est du Tennessee, la Géorgie), un blues très particulier s'est développé, beaucoup plus léger que le dramatique et poignant blues du Delta. (...) le rythme syncopé du Delta est ici remplacé par des effets de basses alternées, créant une impression de nonchalance et de décontraction, encore affirmée par la virtuosité instrumentale (c'est bien le cas ici) de la plupart des interprètes qui ont créé un style de guitare très particulier, appelé ragtime (...)".

Blind Willie McTell:"Wabash cannonball".

McTell est un adepte de la difficile guitare à douze cordes, qu'il maîtrise à la perfection. Il peut aussi s'appuyer sur une belle voix aigüe, qui fait merveille sur ses morceaux très variés.

Blind Willie McTell:"Searching The Desert For The Blues".

L'influence de McTell est grande auprès des musiciens postérieurs, à commencer par Dylan qui lui dédiera sa chanson sobrement intitulée "Blind Willie McTell". Il clôt chaque couplet par cette affirmation suivante en guise d'hommage: "Et je sais que personne ne sait chanter le blues / Comme Blind Willie McTell".

Bob Dylan:"Blind Willie McTell".

Sources:
- Gérard Herzaft:"Le blues", que sais-je?, PUF, Paris, 1994, p38.
- R. Crumb:"Héros du blues, du jazz et de la country", Éditions de la Martinière, Paris, 2008, p 74.

Liens:
- Blind Willie McTell sur la Hype machine.
- Les paroles traduites du "Blind Willie McTell" de Dylan.

Les pionniers du blues 7: "Blind Willie Johnson".

2008-12-29T21:50:00.009+01:00

Blind Willie Johnson dessiné par Robert Crumb.

Ce chanteur de gospel professionnel enregistra une trentaine de chansons exceptionnelles entre 1927 et 1930. Guitariste de slide prodigieux, Johnson possède une voix au registre très vaste. Si sa musique reste avant tout d'inspiration religieuse, elle s'inscrit néanmoins clairement dans le blues, un blues percutant et dansant.

Blind Willie Johnson:"Let your light shine on me".

Certains de ses morceaux emblématiques, tels que "Dark was the night (cold was the ground)" ou encore le sublime "let your light shine on me", captivent l'auditoire dès la première écoute et donnent la chair de poule. Une atmosphère inquiétante s'en dégage, accentuée par les marmonnements rauques de Johnson.

Blind Willie Johnson: "Dark was the night..." (la photographie qui illustre ce clip est en fait celle de Blind Willie McTell, prochain portrait présenté sur ce blog).

Blind Willie Johnson en duo avec sa femme:"John the revelator".

Dans son film The Soul of a man, Wim Wenders raconte sa passion du blues. Il revient sur le parcours de trois bluesmen: Skip James (voir son portrait sur le blog), J.B. Lenoir (voir les deux articles que nous lui avons consacré sur L'Histgeobox: Vietnam blues et Alabama blues) et enfin Blind Willie Johnson. Wenders se lance sur les pas de ces trois hommes à partir des archives, des enregistrements et des rares photographies qui nous soient parvenus.

Dans le film, le personnage de Blind Willie Johnson est joué par Chris Thomas King, déjà croisé dans le O'Brother des frères Coen). Le réalisateur allemand a sûrement été séduit par la puissance mystique de Johnson. Il déclare lors de la sortie du film: « J'ai été inspiré par le fait qu'un enregistrement de sa chanson Dark Was The Night figurait parmi les objets que le vaisseau spatial Voyager, lancé par la NASA en 1977 vers les confins du système solaire, emportait avec lui. La voix déchirante de Blind Willie sur fond de guitare « slide », glissant vers de lointaines galaxies... cette image est devenue pour moi le lien transcendantal entre le sacré et le profane. »

Blind Willie Johnson: "Trouble will soon be over", extrait du film The soul of a man de Wim Wenders.

Sources:
- R. Crumb:"Héros oubliés du blues, du jazz et de la country, Editions de la Martinière, Paris, 2008, p 28.

Liens:
-Un bon compte rendu du Soul of a man de Wenders.

- Les enregistrements musicaux du vaisseau spatial Voyager, lancé par la NASA en 1977 vers les confins du système solaire. Les extra-terrestres ont-ils apprécié?

- "Le blues de la planète bleue".

Les pionniers du blues 6: Blind Lemon Jefferson.

2008-12-29T17:16:00.004+01:00

Publicité pour le Black snake moan de Blind Lemon Jefferson.

Blind Lemon Jefferson peut-être considéré comme le créateur du blues texan. Ce blues du Texas ou blues du sud ouest régnait sur le Texas, mais aussi l'ouest de la Louisiane, le sud-ouest de l'Arkansas, l'Oklahoma, territoires ouverts aux influences hispano-mexicaines. Le blues se développa tout particulièrement auprès d'un sous-prolétariat noir chassé des campagnes par les ravages provoqués par le charançon, un petit insecte qui dévastait les champs de coton (véritable monoculture dans ces espaces). Ainsi Houston et Dallas virent leurs populations grossir sensiblement sous l'effet d'un exode rural massif.

See that my grave is kept clean.

D'apès Gérard Herzaft, le blues du Texas se caractérise:
- par le maintien de formes musicales très archaïques, comme l'attestent les enregistrements d'Henry Thomas, en 1927, dans un style très rudimentaire et primitif.
- des influences hispano-mexicaines très prononcées, dans la patique des deux instruments dominants de la région, la guitare et le piano. Pour Herzaft:"Au battement rythmique du blues man du Delta qui prolonge la tradition africaine, son homologue texan lui substitue un canevas de basses appuyées sur lequel il déroule des floraisons d'arpèges".
- Enfin, ces blues racontent généralement des histoires logiques et continues, à la différence du Delta blues.

Matchbox blues, le plus gros succès de Jefferson.

Comme beaucoup d'autres bluesmen aveugles, Blind Lemon Jefferson (vers 1897-1929) débuta sa carrière en jouant dans les rues des grandes villes texanes. En 1917, il arrive ainsi à Dallas, où il sympathise avec Leadbelly. Très vite, son jeu de guitare en picking, à mi-chemin ente blues et country, fait merveille. Jefferson est un adepte des vieux chants de travail traditionnels, mais il révèle vraiment tout son talent lorsqu'il interpète ses puissantes compositions originales. La Paramount, attirée par sa réputation, l'enregistre abondamment (85 morceaux) et fait de lui une véritable vedette et des premiers grands vendeurs de blues masculin.

Le salace Black Snake moan.

Sa mort, dans des conditions troubles, contribua un peu plus à forger la légende de ce grand musicien (il serait mort d'une crise cardiaque après s'être perdu dans les rues enneigées de Chicago), dont l'influence reste immense auprès des musiciens de country, blues, mais aussi de rock'n'roll. Pour preuve, le groupe de rock psychédélique de San Francisco, Jefferson Airplane, choisit son nom en hommage au bluesman texan.

Source:
- Gérard Herzaft "le blies" que-sais-je, PUF, 1994, Paris, p41.
- R. Crumb:"Héros du blues, du jazz et de la country", Éditions de la Martinière, Paris, 2008, p32.

Liens:

-"L'immortel Blind Lemon Jefferson" sur Oyster blues.

- B.L.J. sur la Hype machine.

Les pionniers du blues 5: Blind Blake.

2008-12-26T18:27:00.002+01:00

L'unique photo connue de Blind Blake.

Blind Blake reste une figure assez obscure du blues, alors qu'il s'agit pourtant d'un des précurseurs du genre, en particulier du Piedmont blues ou east coast blues. Un blues plus policé et sophistiqué que celui du Delta, qui se caractérise par un jeu de guitare en fingerpicking.

Sa vie reste très mal connue. Il serait né en Floride aux alentours de 1890 et serait mort vers 1933. Entre temps il serait passé par Detroit et Chicago.

Découvrez Blind Blake!

Seule certitude, Blake maîtrisait à la perfection la guitare ragtime et a enregistré près de 80 titres entre 1926 et 1932, dont plusieurs gros succès commerciaux tels West coast blues, Diddie Wa Diddie, police dog blues. Son répertoire ne se limite pas au blues, puisqu'il se révèle très adroit pour interpréter des ragtimes ou des pièces jazzy inspirées du music-hall.

Découvrez Blind Blake!

Cet as du fingerpicking restera une source d'inspiration majeure pour les bluesmen du sud des Etats-Unis, en particulier Blind Boy Fuller.

Découvrez Blake Blind!

Source: G. Herzaft "la grande encyclopédie du blues", Fayard.

Les pionniers du blues 4: Son House.

2008-12-16T15:42:00.005+01:00

Son House.

Contemporain de Charley Patton et Robert Johnson, Son House est considéré comme un des pionniers du Delta blues. Eddie James House junior (son vrai nom) naquit dans le Mississippi en 1902 (selon son certificat de naissance, mais lui-même affirmera plus tard être né en 1886). A vingt ans, il devient pasteur. En parrallèle, il touche à de nombreux métiers: cueilleur de kapok (pour les matelas) en Louisiane, de coton, éleveur de chevaux...

Levee Camp Blues - Son House

A Clarsdale (Mississippi), en 1927, il a un révélation en écoutant un guitariste:"Ce garçon, Willie Wilson, il avait un truc sur son doigt comme une petite fiole et il le faisait vibrer (...). Je savais que les guitares sonnaient pas comme ça d'habitude. Alors j'ai joué des coudes pour être assez près et j'ai vu ce qu'il avait sur le doigt. (...) Et c'est là que je me suis dit:"je crois bien que j'ai envie de jouer de ces machins"".

Son House accompagné du Paul Butterfield Blues Band et Mike Bloomfield.

Aussitôt, House travaille à ce qui allait devenir sa fameuse technique slide (le terme désigne le joueur de bottleneck. Voir plus bas). C'est ainsi qu'il devient un des habitués des juke joints bondés (les bars réservés aux noirs dans le sud des Etats-Unis). Au cours d'une soirée, il aurait tué un homme, pour une raison inconnue. En tout cas, ce crime lui vaudra de connaître la redoutable ferme-pénitencier de Parchman. Il s'agissait d'une gigantesque ferme cotonnière de 9000 hectares, dans laquelle les détenus servaient à faire de l'argent. House sera libéré au bout de deux ans, à la condition de ne plus remettre les pieds à Clarksdale.

John the Revelator - Son House
Un des classiques de Son House sur lequel il électrise un public en liesse.

Il part alors à Jonestown (Mississippi) et y fait la connaissance de deux autres bluesmen renommés: Charley Patton (voir pionnier du blues n°1) et Willie Brown. Le trio se met alors à écumer la région et sévit dans les juke-joints. Un jeune garçon croisera alors la route de House et sera subjugué par son jeu de guitare puissant. Cet adolescent n'est autre que Robert Johnson (voir l'article qu'Etienne Augris lui consacre).

La consommation effrénée d'alcool décime bientôt les rangs de nos bluesmen (Patton décède en 1934, Brown en 1943). House, quant à lui, abandonne progressivement la musique et il faut attendre 1965 pour qu'il soit redécouvert par des amateurs de blues dans le cadre du mouvement revival. Il connaîtra alors une seconde carrière prolifique, toujours en accoustique. Hous décède en 1988 à Détroit, où il s'était installé en 1976.

Guitariste émérite, House utilise le bottleneck, un tube de métal ou de verre que le guitariste fait glisser sur les cordes de son instrument, afin d'en tirer des sonorités plaintives. Les premiers bluesmen utilisaient le goulot d'une bouteille de verre, dans lequel ils plaçaient un doigt.

Pour C.J. Farley:"House a transformé le blues en expérience spirituelle. Quand il jouait, on aurait parfois dit qu'il tombait en transe- il balançait sa tête, ses yeux roulaient dans leurs orbites, il reprenait le même accord encore et encore. (...) Le chant de House, lui, recourait à toute une palette d'effets vocaux (...): mélancolie, falsetto spontané sur certaines phrases, grognements, cris rauques et gémissements." Bref, les meilleurs titres du bluesman possèdent une force émotionnelle exceptionnelle. Les artistes les plus prometteurs du rock US ne s'y sont pas trompés comme le prouve cette reprise ébouriffante de "death letter" par les White Stripes.

Liens:
- Son House dans un manga.

- "Son House ou les réminiscences du Delta" (Oyster blues).

- Un portrait de l'artiste sur ABC blues and soul.

Les pionniers du blues 3: Mississippi John Hurt.

2008-12-04T13:06:00.003+01:00

Mississippi John Hurt.

En 1963, deux types férus de blues, partirent à la recherche d'un bluesman oublié depuis ses premiers enregistrements pour la compagnie Okeh, en 1928. Leur seul indice, un morceau évoquant un bled obscur, Avalon. Tentant leur chance jusqu'au bout, ils s'embarquèrent pour cette bourgade.

Après renseignements pris auprès de villageois, Mike Stewart et Tom Hawskins tombèrent sur un vieux noir travaillant dans son champ de maïs, c'était bien leur homme. Aussitôt, Mississippi John Hurt est conduit à Washington et enregistre de nouveaux des blues et autres airs traditionnels.

En effet, John Hurt peut être considéré comme une véritable mémoire musicale de la région, un songster, dont le répertoire semble intarissable. Dans la foulée, il remporta un grand succès lors du festival de Newport. Cette redécouverte des racines de la musique populaire traditionnelle s'inscrit dans un mouvement appelé blues revival. Il enregistra encore durant les trois années qui lui restaient à vivre. Il décéda le 2 novembre 1966.

Mississippi John Hurt
envoyé par Zone19

Mississippi John Hurt interprétant le salace Candy man, puis le classique John Henry.

La force de John Hurt, une voix douce et son exceptionnel jeu de guitare. Ses doigts s'agitent avec une très grande dextérité sur les cordes (technique du finger picking). Nous sommes ici assez loin des standards du Delta blues, au son brut et frustre. Les amateurs de catégories parlent de Piemont blues ou de blues du sud-est. Son répertoire ne se cantonne pas, de toute façon, au blues puisqu'il emprunte aussi au folk ou à la country.

Mississippi John Hurt - Lonesome Valley
envoyé par soulpatrol

L'influence de John Hurt est très grande auprès des folkeux de la génération de Dylan, mais aussi auprès des jeunes pousses américaines tels Ben Harper, Beck ou encore les White stripes.

Liens:

- quelques photos du festival de Newport 1965.

Les pionniers du blues 2: Skip James.

2008-12-04T08:34:00.005+01:00

Nehemiah Curtis Jamis naquit en 1902 à Yazoo City (Mississippi). Son père était un paysan à la réputation douteuse, tandis que sa mère travaillait comme cuisinière pour de riches propriétaires blancs d'une plantation de Bentonia, une petite ville cotonnière assez prospère. Edward James, le père de Skip fabriquait de l'alcool de contrebande, ce qui expliquerait sa disparition soudaine en 1907. Skip souffrira profondément de cet abandon et supportera de plus en plus difficilement sa vie auprès d'une mère étouffante.

James commence à jouer de la guitare à l'âge de dix ans, sur un instrument offert par sa mère, sans doute initié par des musiciens locaux. Quant à sa technique de clavier, Skip la doit sans doute à sa tante Martha qui jouait de l'harmonium. En 1915, à l'âge de 14 ans, il s'enfuit de chez sa mère et parcourt les routes du sud, volant pour vivre. Au cours des années 1920, il fréquente les levee camps, c'est à dire les chantiers le long du Mississippi visant à dresser des digues afin de contrer les crues dévastatrices du fleuve. L'atmosphère y est terrifiante. La violence règne chez des hommes exploités, sans cesse surveillés par des contremaîtres brutaux. Les hommes y trimaient quatorze à seize par jour, 6 jours sur 7. La soirée du samedi soir constitue donc un moment d défoulement salvateur. James joue de la musique au cours de ces house parties. Un soir particulièrement arrosé, il aurait même tué un homme.

Skip James (à droite) en compagnie de Mississippi John Hurt, lors du festival de Newport en 1964.

James poursuit son existence chaotique. Un jour métayer, le lendemain à la tête d'une distillerie clandestine (au temps de la prohibition), James continue de voyager et se rend dans le nord du pays. En 1931, à Grafton (Wisconson), il enregistre de remarquables faces pour Paramount. Mais la compagnie doit fermer ses portes peu de temps après et James replonge dans l'anonymat.

Il faudra attendre 33 ans avant que James ne puisse enregistrer de nouveau. Pour les amateurs de blues, le nom de Skip James est devenu un nom mythique inscrit sur d'obscurs 78 tours. John Fahey et Henry vestine, deux futurs membres de Canned heat, retrouvent James en 1964. Il endosse à nouveau ses habits de bluesman (entre temps il s'est fait prédicateur baptiste, puis mineur et fermier) et grave quelques disques remarquables pour Vanguard ou biograph. Il devient un des principaux acteurs du blues revival qui fait fureur aux Etats-Unis et en Europe, où il participe à l'American Folk Blues Festival.

Skip James est emporté par un cancer, le 3 octobre 1969.
Le bluesman reste une influence majeure pour de nombreux musiciens actuels. Beck, Ben Harper vouent ainsi un véritable culte à James. Son jeu de guitare, tantôt fruste ou virtuose, s'adapte à la couleur qu'il entendait donner à ses interprétation (James est aussi un pianiste très original comme le prouve certains enregistrements de 1931). Mais surtout, ce qui fascine lorsqu'on écoute, c'est sans doute cette voix de tête terriblement envoûtante.

Extrait de soul of a man de Wim Wenders.

Pour son film the soul of a man, Wim Wenders, grand amateur de blues, retrace le parcours de trois figures majeures de ce courant musical: Blind Willie Johnson, J.B. Lenoir (nous reparlerons de ces deux-là bientôt) et Skip James. Le réalisateur allemand affirme d'ailleurs:"un jour dans les années soixante, j'ai entendu une chanson de Skip James extraite d'une compilation. Juste une chanson, mais quelle chanson! Elle sortait tellement du lot que je n'ai eu de cesse d'en savoir plus sur ce chanteur. (...) Toutes ses chansons avaient cette même qualité, et sa voix était unique. Sa façon de jouer du piano et de la guitare était différente, très élaborée, et n'avait rien à voir avec ce que l'on entendait ailleurs. Il est devenu mon premier héros".

- "I'm so glad". Il s'agit d'une adaptation d'un succès populaire de 1927 (So tired). Le morceau connaît une carrière internationale lorsque le groupe Cream, mené par Eric Clapton, le reprend en 1966.

La reprise du morceau par Cream.

- "Hard time killing floor":

- "Cypress grove blues". Skip évoque ici les cyprès qui ornent les cimetières. Mysogine, il lance une déclaration radicale dès le premier couplet:"Je préférerais être enterré sous un bosquet de cyprès / que d'avoir une femme qui me mène par le bout du nez"...

Liens:
- "Skip James" sur Télérama.fr (blog de François Gorin).

- "The complete early recordings" sur Planet gong.

- Portrait de James sur le blog Crossroads club 27 (en anglais).

- Toujours pour les anglophones, une interview du biographe de Skip James et quelques morceaux en écoute et en téléchargement.

Aya de Yopougon : une géographie intime et subjective d'Abidjan

2008-12-03T15:02:00.005+01:00

Aya de Yopougon, c'est un peu la Côte d'Ivoire de papa, celle du temps du "Vieux", Félix Houphoët-Boigny. Celui-ci a été ministre en France sous la IVème République avant de devenir le premier président de la République de Côte d'Ivoire lors de l'indépendance en 1960. Il est ensuite constamment réélu et parvient à faire du pays un modèle de développement, basé notamment sur l'exploitation du cacao. C'est l'époque où la Côte d'Ivoire est étudiée en géographie en terminale (voir ci-dessous un extrait du manuel de géo de terminale Magnard, 1989). Il meurt le 7 décembre 1993, le jour de la fête nationale.

Notre héroïne, Aya, grandit donc à Abidjan, la capitale économique du pays, à la fin des années 1970 et au début des années 1980. Les difficultés existent et ne sont pas cachées, (pauvreté, corruption,...) au contraire, par Marguerite Abouët, l'auteur (elle-même née à Abidjan en 1971), et Clément Oubrerie, le dessinateur. Mais ces difficultés n'ont pas encore conduit le pays vers la crise politique et la guerre civile que connaît le pays depuis la fin des années 1990. La Côte d'Ivoire des années 1980 n'est pas encore celle où "l'un cultive sa différence et l'autre son ivoirité" pour reprendre les mots de Tiken Jah Fakoly.

Aya est une "go" (jeune fille) qui vit à Yopougon, un quartier plutôt déshérité et excentré à l'Ouest d'Abidjan, la capitale économique. Tandis que ses copines ne pensent qu'à leur apparence et aux garçons, Aya cultive son originalité et pense avant tout à ses études. Si beaucoup font d'elle leur favorite pour l'élection de Miss Yopougon, elle ne voit pas l'intérêt de participer à ce concours qui met en ébullition tout le quartier et au-delà.
En effet, au-delà de "Yop-city", la BD est un portrait de la vie abidjanaise de ces années. Le auteurs nous proposent ainsi une géographie subtile et subjective des quartiers de la ville et des lieux qui y comptent. Petit aperçu :
- Cocody où vivent les classes supérieures enrichies grâce à l'essor économique du pays. C'est le cas du PDG de la Solibra dont le fils, caricature d'héritier sans talent, n'a d'yeux que pour les go de Yop. C'est là que se trouve le fameux Hôtel Ivoire, point de ralliement de tous les expatriés et vitrine d'un "parigot" (un émigré à Paris) pour y inviter les filles et les épater.
- Les maquis, ces restaurants en plein air où l'on peut danser sont les lieux où se déroulent beaucoup de conversations importantes, notamment lorsque les hommes débattent des mérites respectifs des deux équipes de foot mythiques d'Abidjan, l'Asec et Africa Sports en sirotant une Flag bien fraîche...
- Quand les personnages sortent d'Abidjan, c'est pour retourner au village où chacun a ses racines. Ou encore à Yamoussoukro, au centre du pays, en pays baoulé, le village natal d'Houphouët-Boigny devenu capitale.

En parcourant la ville et en suivant les personnages, on entend une langue familière et étrange à la fois. Un glossaire des termes est judicieusement placé à la fin de chaque tome pour guider le béotien.

Je n'ai pas réussi à retrouver les musiques dont les paroles sont parfois écrites dans la BD.

Marguerite Abouët et Clément Oubrerie, Aya de Yopougon, Gallimard (3 tomes parus)

Un tome 4 est annoncé pour bientôt, à surveiller de près. En attendant voici deux extraits :

A lire sur la Côte d'Ivoire, un portrait des deux musiciens emblématiques du pays : Alpha Blondy et Tiken Jah Fakoly (J. Blottière)
Le portrait de Félix Houphouët-Boigny à partir de la chanson d'Alpha Blondy "Jah Houphouët" sur l'histgeobox.
Sur Mondomix, un entretien avec Marguerite Abouet et Clément Oubrerie à propos du tome 5 paru en 2009.

Retrouvez le dossier Samarra en Afrique (BD, musique, films)

La musique comme outil de propagande dans la Guinée de Sékou Touré... suite.

2008-11-29T11:59:00.003+01:00

* Le Bembeya Jazz.

Cette formation originaire d'une petite ville du sud-est, mélange avec bonheur jazz et highlife. La musique du Bembeya, synthèse parfaite des styles afro-cubain et mandingue, se veut aussi un puzzle de toutes les traditions guinéennes. Certains de ses membres sont de véritables prodiges, à l'instar du guitariste prodige Sekou Diabaté ou du chanteur-soliste Aboubacar Demba Camara. Ce dernier devient une très grande star après la sortie de l'album "Regards sur le passé" (1967), hommage musical à l'ancêtre de Sékou Touré, Samory Touré. Le groupe, payé par l'Etat, vante les mérites du parti unique ("Chemin du PDG", "Vive le PDG", le Parti Démocratique de Guinée) ou les institutions ("Armée guinéenne"). Le groupe connaît un coup très dur avec la mort de Demba dans un accident de voiture, en 1973. Or, son successeur, le jeune Sekouba "Bambino" Diabaté, est choisi et imposé au groupe par Sékou Touré en personne.

Armée guinéenne est une ode aux militaires guinéens enregistrée par le Bembeya Jazz en 1968, alors que la Guinée célèbre ses dix ans d'indépendance. Ce morceau à succès est emblématique de la musique guinéenne des années 1960, savant mélange de tradition folklorique et d'instruments modernes.

Au fil des années 1960, le Bembeya est devenu la matrice d'autres grands big bands ouest-africains (le Rail Band, les Ambassadeurs, Orchestra Baoba).

* Le label Syliphone.

Avec Touré au pouvoir, le pays se dote aussi d'un studio ultra-moderne, financé par une aide de la République fédérale d'Allemagne. . Le parti présidentiel gère directement le studio ultra-moderne (le studio de la Révolution). Dans ce dispositif élaboré, le label Syliphone fait figure d’instrument complémentaire. Cette structure d’Etat publie sur des 33 tours et des 45 tours les enregistrements effectués par les meilleurs groupes dans le studio de la radio nationale, laquelle peut ainsi alimenter ses émissions puisque la musique occidentale est interdite d’antenne.

Miriam Makeba / archives rares!
envoyé par gideonvink

Miriam Makeba lors d'un concert à Conakry, en 1973.

On le voit donc, l'Etat contrôle toute la production musicale guinéenne, de la formation des orchestres en passant par la diffusion des airs sur la radio nationale.

* Miriam Makeba, ambassadrice de la Guinée.

La posture du dirigeant guinéen face à l'ancienne puissance coloniale lui assure un grand prestige dans la diaspora noire, notamment aux Etats-Unis. Ainsi, la grande chanteuse sud-africaine, Miriam Makeba, s'installe dans la Guinée de Sékou Touré avec son compagnon, Stokely Carmichael, le secrétaire des Black Panthers et théoricien du Black Power. Elle devient la caution intellectuelle de Touré dont elle assure la propagande sur la scène internationale: elle devint la représentante de la Guinée aux Nations Unies. Elle y poursuit sa carrière et enregistre des disques avec des instrumentistes guinéens. Elle est ainsi accompagnée par des membre de Balla et ses baladins. Elle enregistre de nombreux titres en espagnol, arabe, français et malinké.

* Une dictature impitoyable.

- Un régime de terreur.

Très vite, Touré instaure un régime très dur. Il rejoint le camp socialiste et ne cesse de fustiger "l'impérialisme, le colonialisme et le néo-colonialisme". La France a démantelé le pays lors de son départ et refuse toute forme de coopération avec l'ancienne colonie.
Durant la période Touré, On compte pas moins de 17 tentatives de coups d'Etats. Désormais, le dictateur vit dans la hantise du putsch et sombre dans la paranoïa, qui le conduit à massacrer tous ces rivaux potentiels. Il n'hésite pas à faire fusiller la quasi-totalité de son gouvernement en 1964. Ainsi, le coup d'Etat manqué d'exilés guinéens du 22 novembre 1970, appuyé par les Portugais, plonge le pays dans la terreur, marquée par des arrestations et exécutions en série. Cette date devient d'ailleurs symbolique. L'Horoya band adopte d'ailleurs le nom de 22 novembre band.

le Bembeya Jazz en 1979
envoyé par gideonvink

Des centaines de milliers de Guinéens fuient alors le pays. Des milliers d'opposants meurent sous la torture dans les sinistres geôles du camp Boiro. On estime que le Président Ahmed Sékou Touré s’est rendu coupable de la mort ou de la disparition de quelque 50000 personnes.

- Censure et politique culturelle.

Alors que les présidents Bourguiba de Tunisie, Diori du Niger et Senghor du Sénégal se font d'ardents défenseurs de la Francophonie, Sekou Touré, lui, se veut le champion de l'indépendance immédiate et totale. Aussi, cet amoureux de la langue et de la culture française, affirme que la Francophonie constitue une «nouvelle forme de domination coloniale». La diffusion de musique étrangère est interdite à la radio nationale.

Les principales régions de la Guinée-Conakry.

- Le PDG.
Trois grandes ethnies dominent en Guinée, même si on en compte une trentaine en tout: les Malinkés ou Maninkas (marchands), les Soussos (majoritairement des agriculteurs) et les Peuls (souvent nomades, pasteurs). Touré, d'origine malinké, n'hésite pas à écraser les Peuls et les Soussos, tandis que le PDG, le Parti Démocratique de Guinée, contrôle tout. Une personne sur dix est alors membre de ce parti, présent du plus petit village au sommet de l'Etat.

Bembeya jazz - "Doni Doni"
envoyé par gideonvink

* L'après Sékou Touré.

En 1984, la mort de Touré, le colonel Lansana Conté s'empare d'un pouvoir qu'il tient toujours d'une main de fer, utilisant à nouveau la violence et la contrainte. Ce dernier rompt avec la politique culturelle de Touré. En 1983, un an avant sa mort, le "dictateur-mélomane"privatise les orchestres nationaux, qui deviennent propriétaires de leurs clubs (club de la paillote, club du jardin de Guinée, club de la minière), de leurs instruments et leurs matériels. Mais assez vite, ces formations, choyés par le dictateur défunt, se délitent, faute de financement et de soutiens officiels. Pire, lors du coup d'Etat de Conté, l'attaque de la radio d'Etat, perçue comme l'organe officiel du régime de Touré, provoque la destruction de nombreuses archives musicales. Le label Silyphone disparaît rapidement

* Quel bilan après 50 ans d'indépendance?

- Une dictature implacable.
Après 26 ans de pouvoir pour Touré et 24 ans pour Conté, le bilan est catastrophique. Nous avons déjà évoqué l'utilisation de la terreur pour gouverner sous le premier dirigeant guinéen. Or, aujourd'hui, la situation ne semble pas beaucoup plus bonne. De fréquents soubresauts secouent l'armée et le gouvernement. L'opposition est muselée, voire emprisonnée.

- Un scandale économique.
La Guinée est un pays extrêmement riche (Touré parlait de "scandale géologique"), avec des réserves importantes d'or, de diamants, 1/3 des réserves mondiales de bauxite (nécessaire pour l'uranium). Sa forêt est exploitée par des transnationales, tandis que ce "château de l'Afrique" n'exploite guère son immense potentiel hydroélectrique.

La corruption du régime contribue aussi à détourner les richesses du pays au profit des fidèles de Conté. Les Guinéens disposent d'un pouvoir d'achat très faible et seul le système D permet au plus grand nombre de vivre. On estime que 70% de l'économie est gérée par le secteur informel (petits ateliers de couture, cireurs de chaussures). Il n'empêche qu'en février 2007, une explosion sociale embrase les quartiers populaires de Conakry. La répression s'accompagne de la mort de manifestants.

* La musique guinéenne aujourd'hui.

Le temps des grands orchestres nationaux est révolu, mais de jeunes Guinéens, on se sont lancés à leur tour. On peut ainsi citer Takana Zion, un jeune reggaeman.

Sources:

- Florent Mazzoleni:"L'épopée de la musique africaine", Hors collection, 2008, pp17-36.

- Florent Mazzoleni: "Le modèle guinéen", in Mondomix n°29, pp20-21.

- La remarquable émission "L'Afrique enchantée" (diffusée sur France Inter tous les dimanches) des lundi 11 et mardi 12 août 2008, consacrées à la Guinée-Conakry.

Liens:

- radio africa, une mine pour explorer cette musique fascinante.

- La musique mandingue sur Afromix.org.

- "Pour la Guinée du "non" à De Gaulle, 50 ans de perdus", sur le blog de M. Hoibian.

- Le site de l'Afrique enchantée. A écouter d'urgence.

J'aime bien-novembre 2008

2008-11-28T15:21:00.001+01:00

On aime bien-Nov 08

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2008-11-28T15:19:00.000+01:00

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2008-11-28T15:17:00.000+01:00

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2008-11-28T15:14:00.001+01:00

On aime bien-aout 08

La musique comme outil de propagande dans la Guinée de Sékou Touré.

2008-11-27T10:50:00.005+01:00

Les Amazones de Guinée.

Ancien secrétaire du syndicat des PTT, Sékou Touré fonde en 1952 le Parti démocratique de Guinée dont il fait une organisation populaire très structurée. Maire de Conakry et député à l'Assemblée nationale française (1956). Lors du référendum du 28 septembre 1958, il appelle les Guinéens à refuser l'intégration du pays dans la Communauté française. De Gaulle entend en effet intégrer les colonies d'Afrique occidentale dans cette nouvelle structure. Avec la victoire du non, la Guinée devient le premier ainsi le premier d'Etat d'Afrique subsaharienne à obtenir son indépendance de la France.

Quelques temps auparavant, alors jeune nationaliste, Touré n'avait pas hésité à lancer à de Gaulle: " Nous préférons la pauvreté dans la liberté à la richesse dans l’esclavage". Le général, outré, suspend immédiatement toute aide à la Guinée. L'administration guinéenne, privée de tous les techniciens et fonctionnaires français, doit repartir de zéro. Pire, certaines infrastructures sont démantelées sciemment par les anciens colonisateurs. Le divorce est définitivement consommé entre l'ancienne colonie et sa métropole. Paris tentera même d’empêcher l’admission du nouvel État aux Nations unies.

Le président Sékou Touré à la tribune de l'ONU en 1962.

Touré se pose aussitôt en champion du panafricanisme et se tourne vers l'Union soviétique et la Chine. Il instaure très vite un régime dictatorial de parti unique, d'inspiration socialiste, éliminant impitoyablement tous ses rivaux potentiels. En 1982, il est encore "réélu", pour un quatrième mandat, avec 100% des suffrages.

Dans cet article, nous allons revenir sur un aspects essentiel du régime guinéen, c'est-à-dire l'utilisation de la musique comme arme de propagande. La plupart du temps, lorsque des artistes se mettent au service d'une dictature, le résultat n'est guère convainquant. Pour s'en convaincre, il suffit de songer aux peintures du réalisme socialiste en URSS. Or, le cas de la musique guinéenne fait figure d'exception, comme nous allons tenter de le démontrer.

* Les ballets africains.

A l'époque coloniale déjà, la Guinée joue le premier rôle dans le rayonnement musical du continent : dès 1948, les Ballets Africains de Keita Fodéba tournent dans le monde entier. Ils réunissent une cinquantaine d'artistes, griots pour la plupart, dont les spectacles somptueux démontrent la richesse des traditions mandingues. Les danseuses aux seins nus ne sont pas pour rien dans ce succès.

Au lendemain de l’indépendance (1958), le président guinéen Sékou Touré mesure tout à coup les dégâts causés par l’influence culturelle française dans son pays, puisque pour animer un grand gala, il est obligé de faire appel à des artsites ghanéens, car aucune formation de guinénne n’a développé un répertoire basé sur les chants ou rythmes locaux.

La musique comme arme de propagande.

Pour remédier à cette situation, il met en place une politique culturelle inédite sur le thème de l’authenticité. L’objectif est de faire naître une musique populaire guinéenne en modernisant les traditions. Sékou Touré y voit le moyen de contribuer à forger chez ses compatriotes ce sentiment national auquel il attache tant importance.

Pour Sékou Touré, la musique doit être un vecteur de l'affirmation nationale et de valorisation de la culture du pays. Le dirigeant de la Guinée crée alors des dizaines d'orchestres subventionnés. Il charge Keita Fodeba d'organiser la vie musicale du nouvel État (nommé au ministère de l'intérieur, il sera bientôt la victime de la paranoïa de Touré qui voit des complots partout. Il décède en 1969, probablement des suites des tortures infligées dans le sinistre camp Boiro).

Au cours des années 1960, 1970, la Guinée devient le phare de la création musicale en Afrique, à la croisée de la tradition et de la modernité.

Guitares, cuivres (d'où l'adjectif jazz accolé à tous les orchestres guinéens) et chants créèrent l’essentiel de cette nouvelle musique. Nouvelle certes mais profondément ancrée dans les traditions malinké. En effet, jusqu'au XIIIème siècle, le territoire de l'actuelle Guinée est intégrée à l'Empire mandingue de Soundiata Keita. Des éléments jazz ou cubains et des textes en français, complètent ce patchwork musical.

* Les orchestres nationaux.

Balla et ses balladins: "Sara".

Des orchestres nationaux sont créés, et leurs membres ont le statut de fonctionnaires. En 1959, le Syli Orchestre ("syli" = éléphant nain, en soussou et symbole de la Guinée)apparaît et devient le premier orchestre national moderne d'Afrique (on en comptera sept en tout). Il se divise bientôt en deux, donnant naissance à Balla et ses Balladins et à Keletigui et ses Tambourinis.

Touré crée ces orchestres nationaux et organise une gigantesque machinerie musicale. Ces orchestres voyagent dans le bloc soviétique et assurent la diffusion de la musique guinéenne. Les membres d'un orchestre national jouissent d'un statut envié dans la mesure où ils deviennent des fonctionnaires, dont les instruments, les voyages, les frais divers sont pris en charge par l'Etat. De fait, la musique guinéenne devient une influence majeure pour l'Afrique occidentale, au même titre que le highlife ghanéen ou l'afro-beat nigérian.

Le morceau Soundiata interprété par Keletigui et ses tambourinis revient sur l'épopée du fondateur légendaire de l'empire du Mali, auquel Sékou Touré, d'origine malinké, rend souvent hommage.

D'autres orchestres nationaux sont créés dans la capitale :
- le Boiro Band qui joue au sein même de la caserne-prison où sévissent les tortionnaires de la Garde Républicaine.
- La Gendarmerie a aussi ses propres big bands, dont le merveilleux ensemble féminin (toujours en action) "Amazones de Guinée".

"Chacun son caractère chacun son style, chacun sa façon d'être " affirme les Amazones de Guinée dans leur titre Beni son, sur leur dernier album, sorti cette année.

A partir de 1963, chacune des 33 préfectures de Guinée se dote également d’un orchestre fédéral. L'ensemble des formations participent à une compétition organisée sur tout le territoire, avec ses phases de présélection et sa finale à Conakry. L'objectif reste de s'appuyer sur le patrimoine musical guinéen, tout en s'appuyant sur ses innombrables traditions régionales. Or, deux orchestres provinciaux se distinguent particulièrement et accèdent à la dignité d'Orchestre National : le Horoya Band de Kankan et surtout le Bembeya Jazz de Beyla.

La suite ici

Sources:

- Florent Mazzoleni:"L'épopée de la musique africaine", Hors collection, 2008, pp17-36.

- Florent Mazzoleni: "Le modèle guinéen", in Mondomix n°29, pp20-21.

- La remarquable émission "L'Afrique enchantée" (diffusée sur France Inter tous les dimanches) des lundi 11 et mardi 12 août 2008, consacrées à la Guinée-Conakry.

Les pionniers du blues: "Charley Patton".

2008-11-22T14:01:00.002+01:00

L'unique photo connue de Patton.

Considéré par certains comme le fondateur du Delta blues _ un genre particulièrement brut, sans fioriture, basé sur un jeu de guitare sommaire, reflet des terribles conditions d'existence des noirs américains dans le Mississippi au début du XX°_ Patton naquit dans ce même état dans le dernier tiers du XIXème siècle. Pour Robert Santelli (voir sources), "Charley Patton eut une vie qui contribua à élaborer le mythe du bluesman. Il buvait comme un trou, courait les filles, se bagarrait souvent, jusqu'à se faire trancher la gorge un soir. (...) Il avait la réputation d'électriser un juke (les troquets glauques réservés aux Afro-américains dans le sud profond) en jouant de la guitare derrière la tête, couché, capable de la jeter en l'air sans rater une note."

Charlie Patton dessiné par Crumb.

Patton possède une voix de papier de verre particulièrement râpeuse. Il accompagne son jeu de guitare, tout aussi rugueux, de rythmes complexes, renforcés par des percussions sur la caisse de sa guitare. Au delà de sa technique instrumentale, l'homme fut aussi un formidable conteur et une source d'information de premier plan pour mieux connaître les conditions d'existence dans le delta du Mississippi, au début du XX°. Son Mississippi Boll Weewil blues relate les dégâts occasionnés par le charançon vers 1900. Le High water everywhere, en deux parties, décrit les terribles inondations du Mississippi qui ne cesse de sortir de son lit, malgré les nombreuses digues installées pour le canaliser. Dry well blues évoque la sécheresse.

Planche tirée de l'ouvrage que Robert Crumb consacre à Patton (en noir et blanc pour la version américaine).

Pour terminer quelques morceaux emblématiques de Patton:
- Le sublime Spoonful blues:

- Mississippi Boll Weewil blues sur les ravages causés par les insectes sur les cultures entraînant la ruine de nombreuses fermes dans le Mississippi:
Mississippi Boweavil (Boll Weevil) Blues - Masked Marvel

- High water everywhere narre les terribles crues du Mississippi en 1927:

Source:
- " Le Blues : Voyage à la source" par Martin Scorsese, Peter Guralnick, Robert Santelli, et Holly George-Warren, éditions Naïve, 2006. Un très bel ouvrage avec de nombreux articles consacrés au blues et ses interprètes.

Mr Crumb et le blues.

2008-11-16T19:33:00.006+01:00

Robert Crumb est un des plus célèbres dessinateurs américains. Il devient un des papes de l'underground au cours des sixties, géniteur de quelques personnages cultes tels Mr Natural, ou encore Fritz the Cat. Or, et c'est un des aspects essentiels de son œuvre, Crumb a toujours été un fou de musique traditionnelle américaine , en particulier de blues. Aussi, cet infatigable collectionneur de disques (vinyles bien sûr, en 78 tours) place la musique du diable au centre de certaines de ses œuvres. Nous allons ici nous focaliser sur trois d'entre elles.

*"Charley Patton".

La collection BD Blues, aux éditions Nocturnes, propose des albums consacrés aux grandes figures du blues. Deux cd d'enregistrements originaux des artistes accompagnent chaque ouvrage. Robert Crumb se charge du volume dédié à Charley Patton, un des pionniers du Delta blues.

La vie de Patton reste peu connue et nous ne disposons que d'une seule photographie du personnage. Crumb se charge donc de retracer à sa manière l'existence du "fondateur du delta blues". A la lecture de la bd, nous croisons ainsi d'autres pionniers du genre, Robert Johnson (dont E. Augris nous parlait dans l'article précédent) ou encore Son House, qui furent amenés à croiser, à un moment donné, le chemin de Patton.

Patton:"Shake it and break it".

* "R. Crumb's heroes of the blues, jazz and country".

La passion du dessinateur pour les musique populaires américaines se traduit dans les années 80 par trois séries de cartes à collectionner sur les héros du Blues, de la Country et du Jazz des années 1920 au début des années 1930.
Ces 36 trading cards étaient présentes dans les paquets de chewing-gum et de cigarettes. Pour élaborer ses dessins, Crumb s'inspire des vieilles affiches et photographies d'époque.

Les éditions la Martière ont eu la riche idée de réunir ces cartes dans un petit livre très dense. Chaque portrait de musicien s'accompagne d'une courte notice biographique. Enfin, pour ne rien gâcher, un CD de 21 titres accompagne l'ouvrage. On y croise Patton, mais aussi les pionniers du jazz New Orleans, "Jelly Roll" Morton, King Olivier avec Louis Armstrong. Parmi les bluesmen, citons Skip James et Mississippi John Hurt, deux pionniers du genre aux parcours atypiques. En effet, les deux musiciens enregistrèrent très tôt (1929 pour MJH, 1931 pour James) avant de disparaître pendant de longues années (la dépression ruine aussi l'industrie du disque et la carrière des bluesmen enregistrés alors s'interrompt donc brusquement). Mais les recherches acharnées des amateurs de blues permirent parfois de retrouver certains héros musicaux. Ainsi, James et Hurt sont "redécouverts" à la faveur de ce blues revival.

- Skip James interprétant Crow Jane.

- "Frankie" par Mississippi John Hurt, en 1928.

Le son râpeux à souhait donne l'impression d'écouter un vieux vinyle et cela ne fait qu'accroître le plaisir. Bref, on ne saurait trop vous conseiller l'achat de ce bel objet (pour la modique somme de 20 euros). Ci-dessous quelques uns des jug band les plus fameux (groupe de musique composé de musiciens qui utilisent à la fois des instruments traditionnels et des instruments bricolés).

Ci-dessous, quelques-uns des pionniers du blues, dont nous allons vous parler très bientôt sur le blog.

* Mr nostalgia.

A ces deux ouvrages, il convient d'ajouter le classique Mr Nostalgia paru aux éditions Cornelius. Ce livre regroupe plusieurs bandes dessinées autour des musiques que Crumb chérit. Mr Nostalgia est surtout une critique féroce de l' Amérique qui perd son âme en négligeant sa culture populaire.

Quelques lectures utiles pour mieux connaître la "musique du diable".

- Gérard Herzaft: "La grande encyclopédie du blues", Fayard, 1997. Un ouvrage très clair par un grand spécialiste du genre.

- Gérard Herzaft:"le blues", que-sais-je? consacré au blues, synthétique, mais jamais simpliste.

- Leroi Jones: "Le peuple du blues", folio. Un classique qui replace cette musique dans son contexte, celui d'une Amérique ségréguée et raciste.

- " Le Blues : Voyage à la source" par Martin Scorsese, Peter Guralnick, Robert Santelli, et Holly George-Warren, éditions Naïve, 2006. Un très bel ouvrage avec de nombreux articles consacrés au blues et ses interprètes.

Liens:

- Histoire des Afro-américains en musique 1: le blues...

- Histoire des Afro-américains en musique 2 : blues et folk-blues.

- "Histoire des Afro-américains en musique 3: le folk et le blues".

- Le site officiel de Crumb.

- Les héros du blues vus par Crumb.

- Une critique très positive du "héros du blues, de la country et du jazz", sur Télérama.fr.

- "Le blues dans tous ses états" sur les sept films consacrés à cette musique dans un vaste projet initié par Martin Scorcese.

Sur les traces du bluesman Robert Johnson en BD et manga

2008-11-15T20:23:00.000+01:00

La vie de Robert Leroy Johnson fut aussi brève qu'intense. Né en 1911 à Hazelhurst dans l'Etat du Mississippi et mort en 1938, à seulement 27 ans, probablement empoisonné par un mari jaloux !

Son empreinte musicale est pourtant majeure puisqu'il a inspiré des musiciens comme Jimi Hendrix, les Rolling Stones, Eric Clapton ou encore Bob Dylan. Son don pour la musique a fait de lui un personnage légendaire ayant passé un pacte avec le diable. Il incarne en effet de manière idéale la figure du bluesman menant une vie vagabonde avec sa guitare, aimant les filles et l'alcool. La réputation sulfureuse du blues, sorte de pendant profane du Gospel, musique sacrée par excellence, en a fait la "musique du diable", celle qui corrompt les esprits et les corps. Mais quelle musique !

C'est son histoire qu'a choisi de nous raconter le mangaka Akira Hiramoto dans Me and the Devil Blues, un manga en plusieurs épisodes dont le titre reprend un des rares enregistrements (29 seulement) de Robert Johnson. Le dessin et la narration du manga se prêtent merveilleusement bien à la vie toute en zig-zag du jeune "RJ", de ses débuts hésitants et timides jusqu'à cette fameuse rencontre nocturne à l'origine de son talent. On y croise également la route des pionniers du blues du delta, Son House et Willie Brown. Un manga tout bleu (même la tranche...) vraiment très réussi et envoutant.

Akira Hiramoto, Me and The Devil Blues, Kana, 2008 (vol. 1)

Si le bluesman inventé par Frantz Duchazeau, Meteor Slim, est le personnage principal de la BD Le rêve de Meteor Slim, le véritable héros en est également Robert Johnson. Il est celui qui encourage à sa manière ce jeune guitariste qui lui ressemble un peu, qui a les mêmes tentations et les mêmes galères.

Frantz Duchazeau, Le rêve de Meteor Slim, Sarbacanne, 2008

Voici les 29 titres enregistrés à San Antonio par Robert Johnson en 1936. Quelques uns sont aujourd'hui très connus, notamment parce qu'ils ont été repris (Crossroads par Eric Clapton).

Découvrez !

Deux morceaux de Robert Johnson :

Je ne résiste pas au plaisir de vous faire écouter le mariage entre le blues et le rap, l'une des nombreuses musiques héritières du blues. Il s'agit d'un titre de Kanye West avec Jamie Foxx, ça s'appelle "Gold Digger" et comme dans tous les bons titres de blues, il y a une histoire de fille.... J'adore ce morceau !

Un livre à lire sur la vie de Robert Johnson : Peter Guralnick, A la recherche de Robert Johnson, Le Castor Astral, 2008
Un site sur Robert Johnson
Dans la série d'articles sur la lutte des Afro-américains en musique, Julien Blottière revient sur les origines du blues et parle de Robert Johnson.
Lire-écouter-voir sur le modèle américain (Livres, BD, Films et... musique bien sûr !)

Fondements et limites du modèle américain avec Norman Rockwell

2008-11-14T15:18:00.011+01:00

Un peintre américain du XXème siècle rend bien compte par son art de la force et des limites du modèle américain. Il s'agit de Norman Rockwell (1894-1978), qui a réalisé des illustrations pour un magazine (The saturday Evening Post). Il fait pour ce magazine en 1943 une série de quatre illustrations inspirées d'un discours de Roosevelt au Congrès en 1941 : the four freedoms. Ce discours sur l'État de l'union exposait les buts d'une éventuelle entrée en guerre des États-Unis. Le Président demande au Congrès de voter la loi prêt-bail (Lend-lease) qui va permettre d'aider les démocraties face au nazisme. Roosevelt y développe des thèmes issus des 10 premiers amendements à la Constitution américaine, adoptés en 1791 (aussi appelés le Bill of Rights). Il y ajoute des préoccupations plus sociales (la troisième liberté) et de sécurité (la quatrième). Ces images deviennent très populaires jusqu'à devenir des icônes symbolisant le rêve américain. Elles sont même reprises pour des affiches appelant à acheter des bons de guerre (affiche ci-dessous).

La première, Freedom of speech, exprime la possibilité pour chaque citoyen américain de donner son opinion, quelle que soit sa condition sociale ou ses capacités à s'exprimer. Ici, un homme d'apparence simple, issu du peuple, n'hésite pas à prendre la parole au cours d'une réunion publique.

La deuxième, Freedom to worship, exprime le droit de chaque individu à pratiquer sa religion quelle qu'elle soit sans être inquiété pour cela. La formule inscrite en haut de l'image n'est pas issue d'un texte officiel. Elle affirme le droit de chacun de pratiquer selon ce que lui dicte sa propre conscience.

La troisième, Freedom from want, représente un repas traditionnel de Thanksgiving, baigné par la lumière, le personnage en bas à droite semblant nous inviter à prendre part à la fête.

La quatrième illustration enfin, peut être celle qui est le plus influencée par le contexte international, Freedom from fear, représente un père et une mère bordant leurs enfants. Le père tient un journal dont les gros titres évoquent des bombardements.

Le président F.D. Roosevelt écrivit à Rockwell pour le remercier de contribuer à rapprocher le pays d'un "monde plus libre et plus heureux".

Rockwell a aussi représenté les limites de ce modèle américain. En voici un exemple, sans doute le plus connu.

La déségrégation dans les Etats du Sud commence par l'arrêt de la Cour Suprême Brown vs. Board of Education of Topeka de 1954. Dans les années qui suivent, l'Etat fédéral va s'efforcer de mettre en oeuvre cette décision qui interdisait toute séparation fondée sur la race dans les écoles publiques. Face à l'hostilité des blancs du sud et des autorités locales d'appliquer la loi, Washington envoie des policiers fédéraux assurer la sécurité des enfants et étudiants qui, courageusement, seront les premiers à briser le tabou. 1954, c'est aussi l'année de naissance de Ruby Bridges. Le 14 novembre 1960, elle doit entrer dans une école publique de la Nouvelle Orléans (la William Frantz Public School), ayant passé les tests avec succès. Malgré la foule qui manifeste, (photo ci-contre, voyez la poupée noire dans un cerceuil...) les pressions sur les parents (son père est licencié...), la petite fille tient bon grâce à plusieurs personnes (sa professeure Ms. Henry et les gens qui la soutiennent sur le trajet) qui l'aident à surmonter une épreuve qui la dépasse de beaucoup.

Cette peinture est parue dans le magazine Look en 1964. A noter, l'inscription "nigger" et les traces de tomates sur le mur. Cette image témoigne de la difficulté d'imposer la déségrégation à un Sud blanc qui n'en veut pas. Même si Norman Rockwell n'est pas un peintre excessivement engagé et qu'il accompagne l'opinion plusqu'il ne la dérange, il nous offre au travers de sa peinture un reflet des forces et des divisions du modèle américain.

Pour avoir plus de détails sur la vie et l'oeuvre de Norman Rockwell, je vous invite à explorer le site du musée Rockwell (en anglais). Consultez également le site de la Fondation Ruby Bridges.

Lire-écouter-voir sur le modèle américain
(Livres, BD, Films et... musique bien sûr !)

Artiste du mois: Bonga.

2008-10-28T12:36:00.003+01:00

Ce mois-ci, nous nous intéressons au chanteur angolais Bonga. Ce grand musicien à la voix rauque et puissante incarne la voix d'une nation meurtrie. Toute son œuvre s'avère d'ailleurs indissociable du contexte politique angolais.

José Adlino Barçelo de Carvalho naît en 1943 à Kipiri. Très vite, il prend un nouveau nom, débarrassé de toute consonance portugaise. Auprès de son père accordéoniste, Bonga Kuenda, apprend la musique. Très tôt, il lie cette dernière à la nécessité de libérer son pays. Il explique: "toute la culture angolaise était sous domination portugaise, les langues traditionnelles étaient bannies, les musiques africaines également. Sans armes pour se battre, on résistait au niveau culturel, en créant notamment des formations de musique folklorique comme Kissueia, mon premier groupe, avec lequel j'interprétais des chansons qui renouaient avec les formes africaines ancestrales, tout en évoquant clairement dans leurs textes le contexte troublé de l'époque, la misère, la violence coloniale, la révolte latente."

Pochette du premier album de Bonga: Angola 72.

En 1966, Bonga émigre au Portugal pour intégrer le Benfica Lisbonne, célèbre club de football portugais. Dans le même temps, il devient champion du Portugal du 400 mètres. Ses exploits sportifs auraient plus lui apporter une grande popularité, mais c'était sans compter sur ses activités militantes au sein du MPLA au Portugal, un des trois grands mouvements anticoloniaux angolais. Très vite, la police politique de Salazar le traque. Bonga s'exile alors à Rotterdam, au sein de la communauté lusophone du grand port. Il y enregistre son premier album, le magistral Angola 72, sur lequel sa voix, éraillée et chaude, donne au corps à la "saudade", sorte de blues africain lancinant aux accents teintés de mélancolie comme sur le somptueux Mona Ki Ngi Xica. Aussitôt, le disque constitue la bande-son idéale pour la lutte d'indépendance angolaise.

Deux ans plus tard sort Angola 74 qu'il enregistre à Paris où il vient de s'installer. Il y reprend un classique, Sodade, sur un thème universel, celui du mal du pays. Ce morceau sera popularisé 20 ans plus tard par Cesaria Evora.

Après quelques albums plus anecdotiques, Bonga retrouve le succès sur le label Lusafrica, avec lequel il signe en 2000 et sur lequel sortent trois beaux disques intitulés Mulemba Xenco (2001) , Maiorais, en 2005, Barrio (2008).

Tout au long de sa carrière, Bonga a associé musique et engagement politique. Il n'a eu de cesse de dénoncer la situation catastrophique de son pays sous le joug portugais et les ravages provoqués par l'interminable guerre civile qui ravage le pays après l'indépendance, en 1975 (pendant près de trente ans les deux principaux mouvements politiques du pays, le MPLA soutenu par les Cubains et les Soviétiques au temps de la guerre froide, et l'UNITA aidée par l'Afrique du sud).

Lien:

- le site My space de l'artiste.

Sélection musicale:

Bonga: "Mariquinha".
Mariquinha - Bonga

Petite sélection de morceaux de l'immense Bonga:

Découvrez 253953,Mulemba xangola (Portuguese),1426,Bonga,44279,Bonga live,89c5905667cce862c67029b1a604f36f,dc7921bb5234201008b9d1a764210bb2,0,255,1,9!

Chansons sur les présidents américains.

2008-10-27T18:27:00.005+01:00

Les hommes de pouvoir inspirent forcément les artistes et notamment les musiciens. Ici, nous allons revenir sur quelques chansons dont les présidents américains sont les "héros" (certains s'en seraient bien passés). La liste n'est bien sûr loin d'être exhaustive (voir les morceaux consacrés à Reagan en lien). Il semble possible de ranger ces morceaux sous deux grandes rubriques: l'hommage et l'interpellation ou la critique frontale.
Dans la première catégorie, nous pouvons placer les titres suivants:

Hommages ou soutien:

* Franklin Delano Roosevelt:

- Willie Eason:"Franklin D. Roosevelt, a poor man's friend".
Franklin D. Roosevelt, A Poor Mans Friend - Willie Eason

- Otis Jackson: "Tell me why you like Roosevelt".

Otis Jackson "Tell me why you like Roosevelt" Animation

Ci-dessus, une étrange animation autour d'un titre de gospel interprété par Otis Jackson. Il rend ici hommage à Franklin Delano Roosevelt, le "président du peuple" lors de la grande dépression. Sa politique socio-économique regroupée sous le terme de New Deal lui valurent une immense popularité.

* Harry Truman.

- Chicago: "Harry Truman" (1975).

En 1975, alors que les Etats-Unis traversent une période de forte turbulence (Watergate, syndrome vietnamien...), le groupe Chicago appelle Truman à la rescousse: L'Amérique appelle Harry Truman / Harry, tu sais quoi faire (...) Harry, y a-t-il quelque chose que nous puissions faire pour sauver la terre que nous chérissons."

* Abraham Lincoln, John Fitzgerald Kennedy.

- Dion: "Abraham, Martin and John".
Dion Di Mucci enregistre "Abraham, Martin and John", en hommage à Lincoln, King et Kennedy, tous trois assassinés.

* Bill Clinton.

- Larry Shannon Hargrove: "Leave Bill Clinton alone".

Ce titre revient sur l’affaire Clinton – Legwinski. inspire les bluesmen. Il semble absoudre le président Clinton et recommande à ses adversaires de le laisser en paix: «Leave Bill Clinton alone» (Bid Bidness records).

* Barak Obama.

- Nas: "Black president".Comme nous l'avons vu dans l'article précédent, Barak Obama inspire les musiciens. C'est le cas de Nas dont le morceau ci-dessous clôt le dernier album. Il s'agit d'un hymne rap à la gloire d'Obama: "nous sommes avec vous. Ne nous trahissez pas!"

Les critiques ouvertes.

Toutes aussi fréquentes que les hommages, les critiques directes des présidents ou de leurs politiques ne manquent pas.

* J.B. Lenoir: "Eisenhower blues".

Le bluesman J.B. Lenoir n'hésite pas à critiquer la politique menée par le pouvoir. Son Eisenhower blues (1955), revient sur les difficultés économiques des Etats-Unis et les choix contestables du président. Dès sa sortie, la censure frappe: le disque est retiré des rayons, la radio ne diffuse jamais la chanson. Ce blues, au titre trop explicite aux yeux des autorités, est débaptisé. Le Eisenhower blues devient le Tax paying blues, plus politiquement correct (mais qui ne paraîtra qu'en Europe).

"Ain't go a dime, ain't even got a cent / I don't even have no money, to pay my rent
My baby needs some clothes, she needs some shoes / Peoples I don't know what, I'm gonna do
Mm mm mm, I got them Eisenhower blues / Thinkin' about me and you, what on earth are we gonna do?"

* Tom Paxton: "Lyndon Johnson told the nation". Dès 1964, le Lyndon Johnson told to the nation de Tom Paxton dénonce l'ambigüité du discours du président américain, à l'origine de l'engagement de son pays dans le conflit.
L'attaque est frontale à un moment où les libéraux ménagent Johnson en raison de sa lutte contre la pauvreté (projet Grande Société). La position de Paxton est en effet encore très minoritaire en 1964. A posteriori, ses commentaires n'en paraissent que plus pertinent: "Lyndon Johnson a dit au pays: / "ne craignez pas l'escalade. / j'essaie de contenter tout le monde / bien que ce ne soit pas vraiment la guerre / on va en envoyer 50 000 en plus / pour sauver le Vietnam des Vietnamiens"

* Stevie Wonder: "You haven't done nothing" (1974)
Ici, le prodige de la Motown dénonce le double langage de Richard Nixon. "Richard le roublard" accède à la Maison Blanche en 1969, avant d'être réélu triomphalement quatre ans plus tard. Mais, le scandale du Watergate le contraint à la démission.

" But we are sick and tired of hearing your song / Telling how you are gonna change right from wrong / 'Cause if you really want to hear our views / "You haven't done nothing"!

" Nous sommes saoulés et fatigués par votre rengaine / expliquant que vous allez changer le mal en bien / Et si vous voulez vraiment connaître notre point de vue / "Vous n'avez rien fait!"

* Ramones: "My brain is hanging upside down: Bonzo goes to Bitburg"(1986).

Cette chanson de Joey et Dee Dee Ramone dénonce la visite du président Reagan dans le cimetière allemand de Bitburg, en 1985. Or, 49 membres des SS y étaient enterrés. Aussitôt, le scandale éclate. Joey Ramone, pourtant soutien inconditionnel de Reagan jusque là, est atterré. Il hurle dans son titre: "Tu es un politicien, ne deviens pas le fils d'Hitler / Bonzo va à Bitburg et après boit une tasse de thé / C'est ce que j'ai vu à la télé et vraiment ça m'a fait chier". Bonzo était le nom du singe qui accompagnait Reagan sur le film "Bedtime for Bonzo", un navet sorti en 1951. Les mauvaises langues affirmeront d'ailleurs que les talents de Bonzo était supérieurs à ceux du futur président.

* Pink "Dear Mr President". La chanteuse Pink s'adresse ici à George W. Bush et le met face à ses responsabilités, elle insiste notamment sur les graves choix politiques de W au cours de ses deux interminables mandats.

* Tom Paxton: "George W told the nation". En clin d'œil au titre précédent, où Paxton fustigeait l'engagement militaire américain au Vietnam, le chanteur s'en prend ici à la politique de George W Bush.

Liens:
- Liste de chansons sur Reagan.
- "Lyndon Johnson told the nation" sur L'Histgeobox.

Bonus:
- Bill au saxo (respect à ceux qui vont au bout de la video):

* "Eisenhower blues".

Choix et soutiens musicaux d'Obama et .... McCain.

2008-10-16T09:34:00.004+02:00

Le magazine Blender a demandé aux deux candidats à la présidentielle américaine quel était le contenu de leurs I Pod respectifs. McCain et Obama se sont prêtés au jeu.

BARACK OBAMA :

The Fugees - 'Ready Or Not'

Marvin Gaye - 'What's Going On'

Bruce Springsteen - 'I'm On Fire'

The Rolling Stones - 'Gimme Shelter'

Nina Simone - 'Sinnerman'

Kanye West - 'Touch The Sky'

Frank Sinatra - 'You'd Be So Easy To Love'

Aretha Franklin - 'Think'

U2 - 'City of Blinding Lights'

Will I Am - 'Yes We Can'

Obama I pod

JOHN MCCAIN :

ABBA - 'Dancing Queen'

Roy Orbison - 'Blue Bayou'

ABBA - 'Take A Chance On Me'

Merle Haggard - 'If We Make It Through December'

Dooley Wilson - 'As Time Goes By'

The Beach Boys - 'Good Vibrations'

Louis Armstrong - 'What A Wonderful World'

Frank Sinatra - 'I've Got You Under My Skin'

Neil Diamond - 'Sweet Caroline'

McCain I pod

Je vous l'accorde, on peut trouver cette approche un peu vaine, dans la mesure où ce ne sont pas les goûts musicaux des candidats qui détermineront les votes des Américains. Il n'empêche que l'exercice a au moins le mérite de l'originalité et change du énième reportage sur la famille des deux postulants.

Quel constat peut-on faire à la lecture et l'écoute des deux sélections? D'abord, l'un comme l'autre ne semblent pas des acharnés de nouveautés musicales (il est vrai qu'ils ont mieux à faire). Hormis le titre de Will I Am composé en l'honneur d'Obama, tous les morceaux datent, au mieux des années 1990!

Côté Obama, la sélection ratisse très large. Rap (3 titres), rock (3) et soul (deux morceaux) se taillent la part du lion, auxquels on doit ajouter l'essai folk de Will I am et l'inclassable Sinatra. Blancs et noirs s'y côtoient. Bref, un spectre suffisamment large pour le plus grand nombre s'y reconnaisse.

Les goûts de McCain s'avèrent franchement ringards, puisque le titre le plus récent remonte à très loin. Ses soutiens argueront qu'il s'agit d'un gage de sincérité, puisque les chanteurs ou groupes qu'il écoute sont aussi ceux de sa génération. Le rock, à tendance countrysante, domine largement cette playlist avec tout de même un gros faible pour le disco version Abba (un titre aurait peut-être suffi...). A l'exception des Platters (eux-même très crossover), la "black music" ne figure pas dans cette liste. Autre constat, McCain préfère sans doute les voix mâles, puisque l'on ne trouve aucune femme dans sa sélection.

Enfin, il convient de noter un choix commun aux deux hommes, celui de l'inusable Sinatra.

* Les soutiens musicaux des deux candidats.

En fait, McCain n'a guère les faveurs du monde de la musique américaine. Aucun grand nom ne le soutient officiellement. Pire, de nombreux artistes se sont insurgés contre l'utilisation de leurs chansons lors de meetings du candidat républicain. Dave Grolh des Foo Fighters regrettent l'utilisation du titre Hero par McCain: «Le plus triste, c’est que “My Hero” est censée rendre hommage au quidam, à l’énorme potentiel de l’individu commun. Que quelqu’un se soit approprié l’idée jusqu’à pervertir le sentiment à l’origine de la chanson et ce, sans demander l’avis du créateur, nous choque.» Le groupe a ainsi exigé de McCain qu'il cesse d'utiliser leurs compositions.

Or, cette mésaventure se reproduisit à plusieurs reprises avec les morceaux Right now de Van Halen, Running on empty de Jackson Browne, Barracuda de Heart. Dans le domaine, il existe un précédent fâcheux, à savoir la ré appropriation du Born in the USA de Bruce Springsteen par Ronald Reagan lors des élections de 1984. Manifestement, Reagan n'avait jeté qu'une oreille rapide au morceau qui est tout sauf une ode à l'Amérique triomphante. En fait, il n'avait retenu que le refrain, susceptible de faire vibrer la corde nationaliste de l'électeur républicain.

Au contraire, les artistes se bousculent au portillon afin d'apporter leurs suffrages à Obama et déclarent ouvertement leur soutien au candidat: REM, Jay Z, Kanye West, Stevie Wonder. Mieux, le candidat Obama inspire de nombreux artistes: Will I am, comme nous l'avons vu, mais aussi des tas d'artistes partout dans le monde, tous genres confondus (même reggae ou cumbia...).
Pour preuve, cette sélection hallucinante trouvée sur Imeem:

Barack Obama for President 2008

Liens et source:

- Pour qui roulent les personnalités?

- Sur l'Ipod de George W. Bush.

- Obama est-il un candidat Hip-Hop?

- McCain et la playlist interdite.

Recherche par genre musical

2008-10-15T16:37:00.005+02:00

Pour accéder à tous les messages sur le genre musical que vous recherchez, cliquez sur le mot :

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Lire-écouter-voir sur le modèle américain

2008-10-15T16:18:00.008+02:00

Version actualisée de ce dossier sur Samarra

Des livres :

Des BD et mangas :

Des films :

A la télé :

Des photographies :

Exposition McLean à Chaumont sur Loire.

En images :

Fondements et limites du modèle américain avec le peintre Norman Rockwell

En kiosque :

Pourquoi Obama ?
Chicago : Cité dans le vent ?

De nombreux titres sur l'histgeobox :

2 J.B. Lenoir:"Alabama blues".Blues sur le racisme qui gangrène le Sud profond.
3 Billie Holiday:"Strange fruit". Retour sur les lynchages dont furent victimes de très nombreux Afro-américains.
9. Nina Simone:"Why the king of love is dead?".Hommage en musique à Martin Luther King.
15. Bob Dylan:"Oxford town".Sur la difficile déségrégation scolaire aux Etats-Unis.
16. Bob Dylan: "Emmet Till".Un des cas de lynchage les plus tristement célèbre.
17 Betty Fikes:"Back of the bus".Chanson d'espoir dénonçant la ségrégation dans les transports en commun.
19. Charles Mingus:"Fable of Faubus".Dénonciation du gouverneur de l'Arkansas, qui empêche la déségrégation scolaire dans son état (Little Rock).
23. John Coltrane:"Alabama".Charge contre ce bastion du racisme dans les années 1960.
24. Nina Simone: "Mississippi goddam".Chronique du racisme ordinaire dans le Mississippi.
27. The temptations: "Message from a black man".Ode à la black pride revendiquée.
76. Pete Seeger: "Where have all the flowers gone?Chanson pacifiste, dénonçant les horreurs de la guerre.
73. Marlena Shaw:"Woman of the ghetto"Une chanson d'espoir consacrée aux femmes du ghetto.
71. Sam Cooke:"A change is gonna come"Le chanteur sent poindre un changement d'état d'esprit à l'endroit du "problème noir" aux Etats-Unis.
70. Freedom singers: "In the Mississippi river".Sur les crimes dont sont victimes les Noirs dans le Sud des Etats-Unis.
69. J.B. Lenoir:"Vietnam blues (1966).Blues dénonçant le conflit au Vietnam.
65. Nina Simone:"Backlash blues".
42. Bob Dylan:"The time they're A-Changin'".Sur le fossé qui sépare la jeunesse américaine de ses aînés.
41. Phil Ochs:"Freedom riders". (1962)Les tentatives mouvementées pour faire cesser la ségrégation dans les bus inter-états aux EU.
40: Earl Sixteen: "Malcom X".Hommage à cette grande figure américaine.
39. George Perkins & The Silver Stars - Cryin' in ...Sur le désespoir qui s'empare de ceux qui apprennent la mort du dr King (avril 1968).
37. Bob Dylan:"Blowin' in the wind". Sur les attentes de changements immenses de la jeunesse américaine.
48. Gil Scott Heron:"Klan". Dénonciation cette secte raciste qui fit régner trop longtemps la terreur.
84. Johnny Cash: "The ballad of Ira Hayes Un cas emblématique du racisme dont sont victimes les Native Americans.
87. Edwin Starr:"War".Une charge contre la guerre du Vietnam.
90. Bob Dylan: "masters of war".Dénonciation des profiteurs de guerre: les marchands de canon et le complexe militaro-industriel.
94. Grandmaster Flash & The Furious Five : "The Message. Plongée dans le quotidien sinistre des ghettos sous l'ère reaganienne.
96. The fugs: "kill for peace." Violente satire contre les guerres, celle du Vietnam en particulier.
95. West Side Story :"America" Un grand classique qui revient sous la forme d'un dialogue sur les atouts et les défauts du modèle américain
98. Prince Buster:"Al Capone".
100. Nineteen, retour au Vietnam en 1985
101. Archie Shepp:"Attica blues".
102. Bob Dylan:"With god on our side".
107. Nina Simone:"I wish I knew how it would feel ...
108. Joan Baez: "Here's to you."
110. Creedence Clearwater Revival: "Fortunate son"...
111. Phil Ochs:"Too many martyrs".
113. Big Bill Broonzy: "Black, brown and white".
115. Crosby, Stills, Nash and Young : "Ohio" : Une chanson écrite après le massacre de 4 étudiants à Kent State en 1970.
117. Bob Dylan: "Only a pawn in their game". (1963)
116. Roland Alphonso: "Jack Ruby".
118. Bruce Springsteen : "Born In The USA" (1984). Les vétérans du Vietnam rentrent désabusés et méprisés au pays. Histoire d'une chanson engagée prise à tort pour un hymne patriotique.
119. Randy Newman: "Sail away". (1972) Dans la peau d'un marchand d'esclaves.
126. Skatalites:"Malcom X"
128. Barry Sadler:"Ballad of the green berets" (1965) Une chanson à la gloire des soldats américains au Vietnam
129. Bob Dylan: "Talkin' John Birch Paranoid Blues". Dylan se moque gentiment des conservateurs
137. Randy Newman:"Louisiana 1927". (1974) Les inondations du Mississippi de 1927 à Katrina

En musique :

Sur le bues :

Petite histoire du rap :

Prélude : Bronx, années 1970

1. The Founding Fathers : DJ Kool Herc, Afrika Bambaataa et Grandmaster Flash

2. Old School

3. Un "Message" dans l'Amérique de Reagan

4. Les années 1980 : From Ol' School to Nu School

5. Public Enemy : Power To The People & The Beats

6. L’émergence du Gangsta Rap et de la Côte Ouest

7. La réponse de NYC

8. Le Dirty South se réveille

Hommage à Alton Ellis.

2008-10-12T14:11:00.003+02:00

Alton Ellis, un des pères pionniers du rocksteady, puis du reggae vient de mourir, à Londres, à l'âge de 64 ans. Si sous nos latitudes, ce chanteur n'a pas atteint la notoriété d'un Marley, il n'en demeure pas moins un des points lourds du genre. Dès 1962, alors que le ska fait son apparition et devient la musique de ralliement pour le pays qui vient d'accéder à l'indépendance, Ellis fait entendre sa voix soul. Son Dance crasher devient un gros succès. Le chanteur y affiche des positions anti « rude-boy », les mauvais garçons qui sèment la terreur dans les ghettos de Kingston.

Alton Ellis - Rock Steady - Alton Ellis

Mais c’est avec l’avènement du rocksteady qu'Ellis prend son envol. Le rocksteady devient le genre dominant sur l'île de 1966 à 1968. Le tempo lent, les lignes de basse plus mélodiques, permettent aux chanteurs de s'imposer sur le devant de la scène, une aubaine pour un chanteur de la trempe d'Alton Ellis. Il donne d’ailleurs son nom à ce style musical avec Get ready, rocksteady, enregistré pour Duke Reid et son mythique label Treasure Isle, en 1966.
Il connaît aussi de gros succès avec Cry tough et Girl I’ve got a date, son plus grand succès international. Il enregistre bientôt auprès de « Coxsone » Dodd chez Studio One, le grand rival de Duke Reid.

Im Still In Love With You - Alton Ellis

Avec l'avènement du reggae, Ellis poursuit sa carrière. Il enregistre notamment pour Keith Hudson ou Lloyd « Matador » Daley, aucours des années 1970. Il multiplie alors les hymnes à la gloire de Jah.

Cry Tough - Alton Ellis & The Flames

Exilé finalement en Londres à partir de 1973, où il jouissait d’une grande popularité, il monte son propre label, Alltone, mais enregistre sporadiquement.

Soul Groover

Des Atlas pour comprendre le monde (1)

2008-10-08T13:29:00.004+02:00

Je vous parle régulièrement des livres publiés par les éditions Autrement qui font un travail remarquable en éditant des livres très utiles à des prix abordables.
Ainsi en est-il de ses Atlas historiques et géographiques dont le prix tourne le plus souvent autour de 15 euros. Ils allient une cartographie claire et synthétique à des graphiques et des textes abordant les principaux aspects au travers d'une analyse à plusieurs échelles.
Voici quelques uns des titres les plus récents parus dans la collection Atlas-Monde qui étudient un pays important pour le programme de géographie de Terminale :

Cet atlas est sorti fin 2006, je vous en ai déjà parlé sur Lire-écouter-voir.

Les Gouttes de Dieu : Des effets d'un manga sur la consommation de vin...

2008-10-08T13:18:00.003+02:00

Depuis 2005, les Japonais et les Coréens n'ignorent plus rien de l'univers du vin français grâce à un manga : Les Gouttes de Dieu. Quinze tomes sont déjà publiés en Asie, chacun a été vendu à plus d'1,5 millions d'exemplaires !
Après Sommelier, paru en français chez Glénat en 2006 ( par Araki Joh, Ken-ichi Hori et Shinobu Kaitani) , c'est le second manga à explorer l'univers de la vigne et du vin. Au programme, une aventure qui fait appel à la sensibilité et au goût de deux jeunes à la lutte pour recueillir l'héritage d'un des plus grands sommeliers japonais. Pour cela, ils devront se montrer les plus fins et les plus perspicaces pour retrouver les crus qu'ils doivent identifier. Très souvent, le cru est associé à un tableau (L'Angelus de Millet par exemple) ou à une musique : Le Château Mont-Pérat 2001 (un Bordeaux) au groupe Queen, . C'est donc un éloge des plaisirs du vin que nous offrent Tadashi Agi (pseudonyme regroupant Shin Kibayashi et sa soeur Yuko) et le dessinateur Shu Okimoto. Eloge de la qualité et de la complexité des vins. Les grands crus bourguignons sont particulièrement à l'honneur. La série est très pédagogique dans le bon sens du terme. Elle s'efforce d'être une sorte de "Le vin pour les nuls" version manga. Des pages d'explication à la fin de chaque volume permettre d'en apprendre plus.
Les retombées économiques du manga ne semblent pas négligeables pour les producteurs français, en particulier bourguignons comme les Côtes de Nuits (Chambolle-Musigny, Morey-Saint-Denis, Nuits-Saint-Georges recommandés à la fin du deuxième tome). Les ventes japonaises et coréennes (où le manga se vend bien) des vins de Bourgogne ont ainsi progressé.

Manga à lire donc sans modération !

Tadashi Agi et Shu Okimoto, Les gouttes de Dieu, Glénat (5 tomes parus en français)

A lire sur ce sujet :

Jean-Yves Nau, "La magie des grands crus en version japonaise", Le Monde-Argent, 6 juillet 2008
Ce qu'ont en dit chez les sommeliers
A propos du manga Sommelier

Les conservateurs américains se mobilisent

2008-10-02T15:41:00.004+02:00

En choisissant comme colistière la conservatrice Sarah Palin, le candidat républicain John Mc Cain a, semble-t-il, réussi à corriger son manque de crédit auprès des conservateurs de son parti, en particulier ceux que l'on rattache à la droite religieuse évangélique. A la fin du mois d'août, ce choix a même paru raviver la "guerre culturelle" qui avait si bien réussie à Georges Bush en 2004. Pour bien comprendre les véritables enjeux de la campagne de 2008 au-delà d'une perception déformée par l'Océan Atlantique, voici un livre essentiel et original publié aux remarquables éditions Autrement. Cet ouvrage s'intitule Les conservateurs américains se mobilisent. L'autre culture contestataire. Il s'agit d'un ouvrage collectif qui rassemble des contributions de jeunes historiens et professeurs de civilisation américaine et qui est dirigé par l'historien Romain Huret, maître de conférences à Lyon-II (il nous avait déjà servi de guide à propos de la très contestée élection présidentielle de 1960).

Dans ce livre, les auteurs mettent en avant deux idées importantes :

"La révolution conservatrice" est née d'une mobilisation locale, donc en grande partie invisible, depuis les années 1950.
Cette contestation de l'Amérique "libérale" (au sens américain c'est-à-dire, pour faire vite, de gauche) s'est appuyée sur des élites économiques, sociales et intellectuelles mais aussi sur une partie importante du monde ouvrier et des classes moyennes.

La contribution d'Andrew Diamond sur les jeunes blancs de Chicago dans les années 1950 montre ainsi que les idées conservatrices ont gagné du terrain parmi une "couche de la population qui constituait une importante base électorale du Parti Démocrate depuis le New Deal : la classe ouvrière blanche du nord du pays". Les actions parfois violentes des jeunes blancs de Chicago (comme l'émeute de Calumet Park en 1957 contre des noirs voulant se rendre dans un parc) comportent deux éléments essentiels du conservatisme d'alors : la lutte contre l'intégration raciale et l'hostilité envers l'Etat. L'Etat fédéral tente en effet de faire cesser la ségrégation et d'introduire de la mixité dans les quartiers des grandes villes (sous Eisenhower, notamment après l'arrêt Brown vs. Board of Education rendu par la Cour Suprême en 1954 contre la ségrégation dans les écoles, puis sous Johnson).

Au cours des années 1960, les lois mettant fin à la ségrégation dans le Sud, initiées par Johnson (lui-même Texan), font basculer les démocrates conservateurs du Sud du côté des Républicains. Ceux-ci, avec Richard Nixon, reprennent le pouvoir en 1968 en n'hésitant pas à faire appel à la "majorité silencieuse", celle qui n'a pas participé à l'agitation étudiante et aux émeutes urbaines des années 1960 (Watts en 1965, Détroit en 1967 notamment). C'est un message clair envoyé aux conservateurs. La domination des libéraux sur les campus n' a d'ailleurs pas empêché les jeunes conservateurs de s'organiser. La contribution de Caroline Romain-Diamond retrace ainsi la genèse des Young Americans for Freedom (YAF), vivier du conservatisme regroupant les trois familles de ce mouvement : le traditionalisme, l'anticommunisme et le libertarianisme. Séduits par Barry Goldwater, candidat malheureux contre Johnson en 1964, les jeunes conservateurs trouvent en Ronald Reagan un défenseur de leurs idées. Élu gouverneur de Californie en 1966, il accède à la présidence en janvier 1981.

Mais le plus souvent, à défaut de l'emporter à Washington, les conservateurs ont su utiliser les instruments de la modernité, jugée si néfaste par ailleurs, pour faire valoir leurs idées. Ils furent ainsi les pionniers du mailing (à l'époque par voie postale...), des petites réunions familiales et se firent une spécialité des Talks-shows radiophoniques permettant de toucher un large public. Romain Huret résume cette stratégie : " Leur objectif a toujours été de démanteler par en bas ce que les libéraux avaient construit par en haut." L'efficacité de cette stratégie a été démontrée par la réélection de Georges W. Bush en 2004. Les Républicains ont alors su mobiliser l'Amérique profonde autour des valeurs morales, éthiques et religieuses traditionnelles.

Comme nous le dit Romain Huret dans l'introduction, l'époque n'est plus au dénigrement des conservateurs, à l'image de ce que faisait Bob Dylan avec sa chanson "Talkin' John Birch Paranoïd Blues" (1963) moquant les membres de cette société conservatrice qui porte le nom d'un missionnaire protestant tué par des communistes chinois en 1945 ... Plus de détails sur cette chanson en lisant l'article de Julien Blottière sur l'histgeobox.

Découvrez Bob Dylan!

Romain Huret a bien voulu répondre à quelques-unes de nos questions sur cet ouvrage, un grand merci.

1. Comment définiriez-vous cette Amérique conservatrice qui est le sujet du livre ?

La définition est difficile car il y a plusieurs Amérique conservatrices.

Mais globalement il s'agit d'une frange de la population hostile à l'héritage des années 1960 : relativisme moral, liberté sexuelle, cosmopolitisme. Les conservateurs veulent tous une Amérique fière d'elle même, de ses valeurs démocratiques et familiales. Ils pensent que la famille, la religion, le travail sont au coeur même de l'expérience démocratique américaine.

2. Comment a évolué ce courant depuis les années 1960 ?

Au début des années 1960, ce courant était marginal; il est aujourd'hui dominant. Pour preuve, le candidat démocrate Barack Obama est contraint d'adopter leur point de vue dans de nombreux domaines et de modérer ses conseillers trop à gauches. Il a même fait des efforts importants pour apparaître véritablement "américain".

3. Quels moyens cette « culture contestataire » utilise-t-elle ?

C'est sans doute en matière de moyens qu'ils ont été les plus novateurs.

En France, nous avons le sentiment que les conservateurs sont des péquenauds, vivant dans des campagnes reculées comme on le voit dans les films des frères Coen ou de Tarantino. La réalité est plus complexe : ces conservateurs sont membres de la classe moyenne, ingénieurs, informaticiens, cadres... Ils utilisent Internet pour faire pression sur les élus et disposent de sommes d'argent importantes. Ils sont également très présents sur le terrain : dans les conseils d'école ou les réunions de quartier, ils militent avec force pour faire entendre leurs valeurs conservatrices.

4. Quel rôle joue-t-elle en 2008 dans la campagne électorale ?

Son rôle est décisif. C'est l'Amérique conservatrice qui va faire l'élection. Elle se méfie de John McCain mais déteste encore plus Barack Obama. Contrairement à une image très répandue en France, Obama est loin d'être élu à la Maison-Blanche !

Pour prolonger cette plongée dans l'Amérique qui s'apprête à voter, je vous invite à parcourir le dossier sur les élections présidentielles où vous retrouverez tous les messages sur ce sujet.

Enfin, si vous voulez plongez dans l'Amérique plus que conservtrice, vous pouvez lire la très bonne BD d'Otéro, Wilmaury et Martin : Amerikkka. Vous y suivrez les aventures de deux militants des droits de l'homme sur les traces des nombreuses organisations qui ont pris la succession du Ku Klux Klan...

Je signale enfin que Romain Huret publie un livre sur les experts de la pauvreté aux Etats-Unis entre la période du New Deal et la crise des années 1970. Romain Huret, La fin de la pauvreté ? Les experts sociaux en guerre contre la pauvreté aux États-Unis (1945-1974). Paris, Éditions de l’École des Hautes Études en Sciences Sociales, 2008. En savoir plus ici.

Nous, enfants de la tradition

2008-10-01T17:31:00.003+02:00

Les transferts financiers des migrants constituent un des mouvements de redistribution des richesses les plus importants dans le monde contemporain. Leur montant était estimé en 2003 à 200 milliards de $, chiffre en constante augmentation puisqu'il n'était que de 3 milliards en 1970, 35 en 1980 et 70 au début des années 1990. Il a donc triplé depuis cette période...
Ces transferts sont supérieurs à l'Aide Publique au développement (APD) qui s'élevait en 2003 à 70 milliards de $. Cette manne contribue donc à la lutte contre la pauvreté dans les pays du Sud et participe au développement local. La carte ci-dessous nous montre les pays qui reçoivent le plus de transferts et la part que cela représente dans leur PIB :

[Carte établie par G. Simon et Y. Charbit, parue dans Images économiques du monde 2006, Armand Colin, 2005]

Les pays qui reçoivent les sommes les plus importantes sont l'Inde et le Mexique avec environ 10 milliards de $ chacun. Le premier compte une diaspora importante dans plusieurs pays, en particulier dans le Golfe, au Royaume-Uni et aux Etats-Unis (voir la carte ci-contre, source DF). Le second bénéficie de la forte communauté mexicaine implantée chez le puissant voisin. Suivent les Philippines (6, 4 milliards depuis Etats-Unis, Pays du Golfe), le Maroc, l'Egypte, la Turquie, le Liban, le Bengladesh, la Jordanie et la République Dominicaine (entre 2 et 3 milliards chacun).
Certains pays en tirent une part substantielle de leurs ressources qui peut aller jusqu'au tiers du PIB (Tonga), parfois le quart (Moldavie, Lesotho, Jordanie, Bosnie, Palestine, Haïti). En revanche, Inde (2,6%) et Mexique (1,6%) en sont moins dépendant.

Les principaux pays sources de ces flux sont évidemment les pays qui accueillent le plus grand nombre de migrants, à commencer par les Etats-Unis (28,4 milliards de $). Suivent l'Arabie Saoudite (15,1 en particulier vers les pays arabes voisins et les pays d'Asie du Sud et d'Asie du Sud-Est), l'Allemagne (8,2), la Belgique (8,1), la Suisse (8,1), la France (3,9), puis le Luxembourg, Israël, l'Italie et le Japon.

Mais quelle réalité se cache derrière ces chiffres ?

L'écrivain Gaston-Paul Effa, originaire du Cameroun, vient de publier son dernier roman : Nous enfant de la tradition (Publié aux éditions Anne Carrière). Dans cet ouvrage très autobiographique, il dénonce la condition de ces émigrés Africains qui doivent envoyer jusqu'aux trois-quarts de leurs salaires, au risque de perdre pied dans leur vie en Europe. L'écrivain pousse un cri contre la tradition en nous livrant un récit très personnel.
C'est l'histoire de la descente aux enfers d'Osele, "désigné" comme l'aîné de ses 30 frères et soeurs. Si ce choix peut paraître comme un privilège, il implique une responsabilité écrasante résumée ainsi par son père dans une lettre qu'il lui écrit, alors qu'il est placé dans une institution religieuse : "Pense que l'aîné ne doit pas vivre pour lui mais pour tous les autres". Tout le roman décrit la lutte impitoyable entre Osele et cette tradition qui l'empêche de vivre. Adulte, il part étudier en France, à Strasbourg, et devient ingénieur. Il épouse Hélène, une Française, avec laquelle il a deux enfants. Mais comment concilier cette nouvelle vie avec le respect de la tradition imposée par la famille :

"Osele allait nourrir les hommes. Tout le monde pouvait mourrir autour de moi, ma femme pouvait me quitter, mes enfants aussi, l'essentiel était que la tradition reste sauve. L'âne [Osele signifie âne, nda] continuerait à servir, à nourrir, à porter, à conduire, à donner, à se donner, jusqu'à ce qu'il n'y ait plus d'hommes du tout. Parce que les hommes qu'il avait vus naître finiraient bien par mourir".

Au travers de ce récit, Gaston-Paul Effa nous décrit le déchirement que connaissent de nombreux immigrés pris entre plusieurs légitimités, entre ces pays d'accueil qui leur dénient parfois les droits les plus élémentaires mais qui leur offrent une certaine liberté et la tradition qui les poursuit jusque dans les moindres détails de la vie quotidienne. Sa planche de salut, c'est l'écriture. Une écriture pleine de poésie que je vous invite à dévorer en lisant ce roman.

"Sauvé, sauvé, me répétais-je ne puis être sauvé que par l'écriture !"

Lorsque je l'ai croisé au Livre sur la place à Nancy, Gaston-Paul Effa corrigeait les copies de philo de ses terminales. Il a bien voulu s'en extraire quelques instants pour nous parler des raisons qui l'ont poussées à écrire ce roman. Voici l'entretien en vidéo. Les quinze premières secondes sont un peu penchées, mais ça s'arrange par la suite.... Un grand merci à Gaston-Paul Effa !

Gaston-Paul Effa nous parle de son dernier livre
envoyé par augris

Le coin des Fly-Girls et des B-Boys

2008-09-30T11:10:00.005+02:00

Version actualisée de ce dossier sur Samarra

La petite histoire du rap à lire, à écouter (en podcast, avec une playlist) et à voir (vidéos, photos, cartes). Voici les épisodes :

Prélude

The Founding Fathers : DJ Kool Herc, Afrika Bambaataa et Grandmaster Flash
Old School
Un "Message" dans l'Amérique de Reagan
Les années 1980 : From Ol' School to Nu School
Public Enemy : Power To The People And The Beats
L’émergence du Gangsta Rap et de la Côte Ouest
La réponse de NYC
Le Dirty South se réveille
Naissance du Rap en France
...

Consultez également la bibliographie et le lexique.
Retrouvez les playlists accompagnant cette petite histoire. Vous pouvez télécharger les podcasts des différents épisodes.
Consultez enfin la Petite géographie du Rap en France et dans le monde qui vous permet de retoruver des articles ou des renseignements sur un artiste à partir d'une carte.

Des albums dont on vous parle sur Lire-écouter-voir :

Mémoires d'un immigré : la mondialisation selon Wyclef Jean
L'Album de la semaine (3) Suis-je le gardien de mon frère ? Sefyu
L'Album de la semaine (5) Place 54, Hocus Pocus
Album de la semaine (7) Une sélection Rap :

Album de la semaine (8) Warchild d'Emmanuel Jal, un enfant-soldat devenu rappeur
Le groupe de Hip-Hop Actitud Maria Marta dans La lutte en chantant: le Cône sud

Sur l'histgeobox, des titres à l'écoute, qui sont présentés et analysés :

7. Abd Al Malik : "12 septembre 2001"
18. Keny Arkana:"Victoria".
26. IAM:"Le soldat".
54. Keny Arkana : "Ordre mondial"
63. Sefyu : "La 3ème guerre"
66. Hocus Pocus : "Quitte à t'aimer"
91. Akhenaton : "La Cosca"
94. Grandmaster Flash & The Furious Five : "The Message" (1982)
103. De Georges Moustaki à Joey Starr : "Le métèque"
136. Baloji : "Tout ceci ne vous rendra pas le Congo"

Présumés coupables.

2008-09-28T11:24:00.004+02:00

Une série de célèbres portraits de "Présumés coupables", enregistrés selon le principe de l'anthropométrie judiciaire, mise au point en France en 1881 par Alphonse Bertillon, est présentée en deux expositions et réunie dans un album.

Raynal Pellicer, l'auteur de ce dernier, écrit: “Des millions de vies sur plaques de verre, négatifs ou papiers photo, la plupart du temps en noir et blanc. Sur ces clichés, un numéro d’identification, une date et un nom en avant-plan sur une ardoise (…) vaste portrait de la violence et des dysfonctionnements de nos sociétés au fil du temps, de ceux que l’on jugeait hors-la-loi selon l’époque”.

En effet, en feuilletant l'ouvrage, on retrouve certains des faits divers les plus célèbres des deux derniers siècles. Certains de leurs auteurs ont même accédé au rang de mythe. Dans cette galerie de portraits, nous pouvons croiser...

* ... de grandes figures de l'anarchisme adeptes de la "propagande par le fait":
- Ravachol: cet activiste anarchiste français est guillotiné à Montbrison. Il avait fait exploser les domiciles de deux juristes parisiens en mars 1892 ainsi qu'une caserne. Il est d'abord condamné au bagne à perpétuité pour ces attentats, mais les meurtres qu'il a commis dans sa région d'origine, la Loire, lui vaudront la peine de mort.

- Santo Caserio: le 24 juin 1894, cet anarchiste italien poignarde Sadi Carnot, président de la IIIème République française. Il sera guillotiné le 16 août suivant.

- Jules Bonnot et sa bande sèment la terreur en multipliant meurtres et braquages en 1911 et 1912. Traqués par la police, Bonnot est tué par la police, tandis que ses complices seront jugés et lourdement condamnés.

* Des insoumises telles,

- Amélie Hélie, plus connue sous le nom de "casque d'or", "la reine des apaches" (les bandes de jeunes adultes habitant la "Zone" [des fortifications] ou la proche banlieue, qui terrorisent les populations par leurs agressions, violences sur les passants...).

- Violette Nozière, "l'empoisonneuse". Elle fut inculpée en 1933 de parricide, alors qu'elle n'avait que 18 ans. La défense justifie l'acte en évoquant les relations incestueuses que lui imposait son père. Condamnée à mort, sa peine est commuée en détention à perpétuité. Libérée en 1945, elle sera réhabilitée en 1963.

* L'auteur utilise des photos tirées des archives de la Préfecture de police de Paris, des archives nationales, mais aussi des archives judiciaires des Etats-Unis, ce qui permet ainsi de croiser les seigneurs de la pègre américaine: Al Capone, Dillinger... Parmi ces présumés coupables" se trouvent aussi des individus accusés d'espionnage comme Mata Hari ou les époux Rosenberg.
Plus surprenant, nous découvrons les photos des porte-paroles de la lutte pour les droits civiques comme Martin Luther King, ou encore quelques représentants éminents de la contre-culture portée par les musiciens rock à l'instar de Janis Joplin ou Jim Morrisson auxquels on reproche une conduite scandaleuse ou la possession de produits stupéfiants.

Bref une lecture passionnante.

* Les expositions et l'album:

- "Présumés coupables "dans les FNAC du 9 septembre au 1er novembre 2008.
Une série d'expositions autour de la photographie anthropométrique :
1. Les héros de cinéma - Fnac Paris Montparnasse
2. Un siècle en france - Fnac Strasbourg
3. L'Amérique 1950-70 - Fnac Lyon Bellecour
4. La mafia - Fnac Toulouse Wilson
5. Vitrine extérieure niveau 1 - Fnac forum des Halles

- Raynal Pellicer: "Présumés coupables", Ed. de la Martinière, 2008.

- Raynal Pellicer réalise en parallèle 50 portraits de grands criminels diffusés sur la chaîne 13ème Rue au mois de septembre (voir bande annonce dans l'article).

- Un court portrait de Raynal Pellicer.

Liens:
- "Quoi ma geule?"

Emile Nolde, peintre expressionniste au passé contestable

2008-09-28T10:57:00.010+02:00

La première grande rétrospective sur le peintre Emil Nolde a lieu depuis quelques jours au Grand Palais à Paris. Ce peintre allemand est finalement assez peu connu par le grand public français. Il faut dire que notre pays est resté un peu à l'écart du mouvement expressionniste car ses plus importants représentants appartennaient à l'ère germanique.

Quand on se penche sur la biographie du peintre, on s'interroge immédiatement sur sa participation au régime nazi et sa rapide et subite disgrâce précipitant le peintre dans les tourmants du XXe siècle.

En effet, Emil Nolde (de son vrai nom Hansen, Nolde étant le nom de son village natale) adhère au parti nazi en 1934. Il a alors 67 ans; peintre déjà confirmé, il est toujours en quête de notoriété. Nolde est en fait séduit par le nazisme, la figure d'Hitler et ses idées antisémites. Goebbels, le ministre de la propagande admire d'ailleurs le peintre depuis longtemps et expose quelques unes de ses toiles à son domicile. Les thèmes primitifs de la peinture de Nolde semblent pouvoir être "nazi-compatible" puisqu'il peint les paysages de la Baltique et les légendes nordiques. Pour autant, l'esthétique expressionniste choque le Führer (peintre lui-même, il préfère l'art académique), c'est pour cette raison que 48 toiles du peintre rejoindront l'exposition sur l'art dégénéré en 1938, alors que tous les musées allemands "purgent" leurs collections de près de 1052 de ses travaux.

En août 1941, le régime nazi va encore plus loin à son égard, en lui interdisant de peindre. Ecarté du pouvoir et des honneurs, Nolde va tout de même poursuivre son art dans la clandestinité jusqu'à la chute du régime nazi. A la fin de la guerre, sa disgrâce vis-à-vis du régime lui permet de ne pas être catalogué comme peintre nazi. Il peut désormais enseigner et être reconnu internationalement jusqu'à sa mort en 1956.

Sa carrière de peintre débute bien avant l'épisode nazi. Né dans le Schleswig-Holstein en 1867, à la frontière germano-danoise, il étudie d'abord la sculpture sur bois et se consacre finalement tardivement à la peinture (à plus de 30 ans). Il voyage alors, à Munich et à Paris où il découvre les travaux de Van Gogh et de Gauguin qui l'influenceront beaucoup.
Il est déjà un peintre confirmé quand il est contacté par le jeune groupe Die Brücke de Dresde en 1906 parce qu'ils partagent la même conception de la peinture : l'utilisation de couleurs violentes qui ne correspondent pas à une réalité.
Dès 1907, il quitte Die Brücke pour entrer dans le groupe de la Sécession de Berlin puis quelque temps plus tard, dans celui de la nouvelle Sécession. A cette époque, il multiplie les tableaux aux inspirations bibliques comme par exemple, le polyptyque de la vie du Christ. Après un voyage en Nouvelle Guinée, il retourne dans sa région natale à Seebüll. C'est dans cette région qu'il peint ses paysages nordiques.

Les années 20 marquent une certaine consécration pour l'artiste puisqu'il vend de plus en plus de tableaux et la nationalegalerie de Berlin ouvre une salle Nolde. Ses idées et une certaine naïveté le conduiront à adhérer au parti nazi... Ce qui évidemment salira un peu sa carte de visite.
Néanmoins, l'esthétique des peintures de Nolde est marquée par une grande modernité, ses tempêtes de couleur font de ce peintre, l'un des expressionnistes allemands de tout premier plan.

Pour aller plus loin
Le site de l'exposition de la RMN
Musée Nolde à Seebüll

JC Diedrich

Détournement d'hymnes 2.

2008-09-27T14:29:00.002+02:00

Les Sex Pistols.

Dans cette seconde partie de l'article, nous nous intéresserons à la réécriture complète des paroles d'hymnes permettant d'en renverser ou pervertir le sens initial. Nous prendrons deux exemples emblématiques:
1. la version, volontairement iconoclaste et scandaleuse du God save the queen britannique par les Sex Pistols en 1977.
2. La parodie cinglante de l'hymne algérien par Matoub Lounès, qui ne sortira qu'à titre posthume, car les ennemis du chanteur insoumis, pourfendeur inlassable d'un régime corrompu et autoritaire, l'assassinèrent, pensant ainsi faire taire sa voix.

* "God save the queen".

Nous sommes en 1977, le Royaume uni s'apprête à fêter le jubilé d'argent de la reine Elisabeth II, au pouvoir depuis vingt-cinq ans. C'est le moment choisi par les Sex Pistols pour sortir leur version, très personnelle, de l'hymne national, God save the queen. En effet, ils réécrivent les paroles de l'hymne, composé à la gloire de la couronne britannique, le transformant en véritable brûlot antimonarchiste. Morceaux choisis:

"Dieu sauve la reine / Le régime fasciste / Ils ont fait de toi un connard / Une bombe H potentielle
Dieu sauve le reine / Elle n'est pas un être humain / Il n'y a pas de futur / dans le rêve de l'Angleterre

Ne parle pas de ce que tu veux / Ne dit pas ce dont tu as besoin / Il n'y a pas de futur / Il n'y a pas de futur / Il n'y a pas de futur pour toi

[Refrain]Dieu sauve la reine / Nous le pensons vraiment, mec / Nous aimons notre Reine / Dieu sauve
Dieu sauve la reine / Parce que les touristes, c'est du fric / Et notre emblème / N'est pas ce dont elle a l'air"

La pochette de l'hymne détourné, qui fit scandale elle aussi.

D'après la chanson des Pistols, la reine, à la tête d'un "régime fasciste" , n'"est pas un être humain". Le titre, particulièrement irrévérencieux, dresse un portrait au vitriol du Royaume uni des années 1970. De fait, le pays semble alors dans l'impasse: inflation et chômage fragilisent une société de plus en plus inégalitaire, traversée par des tensions raciales. La flambée des prix du pétrole déstabilise son industrie vieillissante. John Lydon (alias Johnny Rotten, "pourri"), le chanteur du groupe enfonce le clou en hurlant "There's no future in England's dreaming" ("le rêve de l'Angleterre n'a pas d'avenir").

Depuis ses débuts,le groupe géré et façonné par le manager Malcom McLaren, multiplie les provocations (saccage de chambres d'hôtels, concerts chaotiques), savamment montées en épingle par ce dernier. Sur leur premier 45 tours, Anarchy in the UK, Rotten hurle d'un air dément "je suis un antéchrist, je suis un anarchiste/ je ne sais pas ce que je veux, mais je sais comment l'obtenir/je veux détruire les passants".

Dès la sortie du disque, le scandale éclate: la BBC et les radios refusent de diffuser le titre, la plupart des chaînes de magasins ne commercialisent pas le 45 tours. Malgré cette censure, le succès est immédiat et les Pistols tutoient rapidement les sommets des hits-parade.

* Matoub Lounès parodie l'hymne algérien.

Pochette du dernier disque de Lounès Matoub.
Matoub Lounès est, de tous les artistes kabyles, le plus connu en Kabylie comme dans le monde entier en raison de son engagement. Sa musique s'appuie sur l'usage d'instruments traditionnels comme le mandole. Il compose de très nombreux titres et reprend également des thèmes du folklore kabyle.

Dans son œuvre, il n’eut de cesse de dénoncer la corruption du pouvoir, et la censure que ce dernier impose et dont il fut la victime à de multiples reprises. Dans son dernier disque, sorti quelques semaines avant son assassinat, « Lettre ouverte aux… », il n’hésite pas à parodier l’hymne algérien et dénonce une nouvelle fois le pouvoir en place.
" Sur la main de l'injustice les boutures sont faites, sa récolte est tragédie / ils ont sali le visage de nos ancêtres, il est souillé, ranci. / Ils ont peint à la chaux l'atroce grimace de la religion et du panarabisme, sur le visage de l'Algérie (2X) / Imposture! Imposture! Imposture!"

Lounès Matoub, héraut de la culture berbère, mais également défenseur de la laïcité et de la démocratie, est assassiné le 25 juin 1998, à quelques kilomètres de son village natal (Taourit Moussa). Les conditions de ce meurtre n'ont jamais été élucidés, même si le GIA revendique l'assassinat, le 30 juin 1998. La fondation Lounès Matoub a été créée par ses proches afin de perpétuer sa mémoire.

Sources:
- Christophe Traïni: "La musique en colère", Les Presses de SciencePo, 2008, p62
- Stéphane Davet: "Les Sex Pistols outragent la reine", in Le Monde, 30 août 2006.

Liens:
- Portrait de Lounès Matoub.
- Le premier volet de cet article consacré aux détournement d'hymnes.

Exposition Alex McLean.

2008-09-24T19:45:00.005+02:00

A ne pas manquer pour ceux qui habitent dans la région de Chaumont-sur-Loire, une exposition de photographies de l'Américain Alex McLean. Ses photographies aériennes, sublimes d'un simple point de vue esthétique, soulèvent aussi de nombreuses interrogations, en particulier sur la manière dont les Hommes utilisent leurs territoires. Il s'agit aussi d'une photgraphie engagée si l'on peut dire puisque leur auteur souligne les errements, le mot est faible, de l'American way of life. Cela donne des golfs en plein désert, des champs d'asphalte à perte de vue, des barres de béton en guise de cordon littoral...

A voir, le diaporama ci-dessous avec quatorze images tirées de son ouvrage “Over”, à paraître début octobre, commentées par McLean lui-même. Cet article reprend un article passionnant publié dans Télérama, il y a trois semaines (voir sources).

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Source : Olivier Pascal-Moussellard, Telerama, n° 3061. "

A lire :
Over, coédition La Découverte/Dominique Carré, 336 p., 59 € (sortie le 2 octobre).

A voir :
Exposition Alex MacLean, jusqu’au 31 janvier 2009 au domaine régional de Chaumont-sur-Loire (41).

A lire : Over, coédition La Découverte/Dominique Carré, 336 p., 59 € (sortie le 2 octobre)

Liens

- L'article de Télérama dont sont tirées ces photos et leurs légendes.

- "Les absurdités écologiques de l'American way of life" sur le site du Monde (nombreux clichés commentés.

- Le sublimissime site d'Alex McLean.

- L'exposition McLean à Chaumont-sur-Loire.

Hommage à un sorcier du son.

2008-09-24T15:08:00.002+02:00

Sale temps pour les soulmen et leur entourage en ce moment. Après Isaac Hayes et Jerry Wexler en août 2008, voici que Norman Whitfield nous quitte. Ce nom ne vous dit peut-être rien, pourtant vous connaissez assurément quelques uns de ces morceaux, qui sont devenus de véritables standards à l'instar de Papa was a rolling stone ou encore I heard it through the grapevine. Producteur prodige du label Motown, il sut donner de la profondeur au son de l'usine à tubes de Detroit. Ce magicien de studio parvint à obtenir un son unique, savant mélange de rock psychédélique et de soul.

Impossible de faire le tour de cette carrière flamboyante. Retenons cependant sa collaboration fructueuse avec Gladys Knight and the Pips pour lesquels il écrit, en 1967, I heard it through the grapevine, repris ensuite avec succès et talent par Marvin Gaye et le Creedence Clearwater Revival. Entre 1968 et 1972, tout ce qu'il touche se transforme en or. Il compose et produit Cloud 9, Psychedelic Shack, Ball of confusion, Just my imagination et Papa was a Rolling Stone, quelques uns des sommets de la carrière des Temptations, dont il façonne alors le son.

En 1970, il signe War pour Edwin Starr (voir l'article consacré au morceau sur L'Histgeobox), ce qui marque un virage vers des préoccupations plus politiques et sociales.

Comme pour tant d'autres artistes, la carrière de Whitfield connaît une éclipse avec l'entrée dans l'ère disco. Il lance alors un groupe qu'il façonne de toute pièce, Undisputed Truth, adepte d'une pop baroque et parfois un brin boursouflée.

Alors qu'il tire sa révérence, il est utile de rappeler l'importance de cette homme de l'ombre, auteur de quelques morceaux d'anthologie et à l'origine d'un son unique.

Liens:

- Temptations: "Message froma blackman".

- Sur la Tamla Motown.

Découvrez !

Mort d'un géant de la soul.

2008-09-24T15:07:00.002+02:00

Isaac se transforme, le temps d'un album (1973) en "Black Moses".

Isaac Hayes est mort le 11 août à 65 ans.

Il fut un des piliers essentiels du son Stax, le fameux label de Memphis, d'où sont sortis quelques uns des disques les plus marquants de la fin des années soixante et du début des années soixante-dix.

Musicien hors pairs, producteur sensible, Isaac Hayes compose avec son camarade David Porter les plus grands succès de Sam and Dave, le duo explosif de l'écurie Stax. Il accompagne au clavier les vedettes du labeltout au long des années soixante. C'est avec la sortie de l'album "Hot buttered soul" que Hayes sort de l'ombre et accède vraiment à la notoriété, en 1969, ce qui lui permet de jouer un rôle de leader d'opinion dans les ghettos.

Liens:

- d'autres morceaux en écoute sur ce très bon blog consacré à la soul.

- Isaac Hayes, "soul man" de légende sur Télérama.fr.

- Nécro précise et nombreux extraits ici.

Hayes laisse une œuvre dense et la plupart du temps de très grande qualité. Ses morceaux seront d'ailleurs abondamment samplés à l'instar du morceau qui suit.

Découvrez Isaac Hayes!

Découvrez Portishead!

Le détournement d'hymnes nationaux 1: Hendrix, Gainsbourg.

2008-09-22T17:25:00.009+02:00

Quitte à susciter le scandale en musique, autant s'en prendre à l'hymne national de son pays. L'attachement patriotique à l'hymne suscitera assurément l'ire d'une partie de la population, sinon celle des autorités. Afin de bien réussir d'en cette entreprise, deux possibilités s'offrent à vous:

- un dynamitage musicale et/ou sonore de la version originale susceptible d'irriter les tenants de la version académique et officielle. On pense aussitôt à deux exemples très connus:
1. le traitement de choc infligé à l'hymne américain par Hendrix, lors de sa prestation à Woodstock en 1969, avec moult distorsions et saturations, dans une nation en plein doute face à l'enlisement dans le bourbier vietnamien.
2. ou encore la version reggae, particulièrement chaloupée, de La Marseillaise par Serge Gainsbourg en 1979.

- une réécriture complète des paroles de l'hymne permettant d'en renverser ou pervertir le sens initial. Là encore, nous prendrons deux exemples emblématiques:
3. la version, volontairement iconoclaste et scandaleuse du God save the queen britannique par les Sex Pistols en 1977.
4. La parodie cinglante de l'hymne algérien par Matoub Lounès, qui ne sortira qu'à titre posthume, car les ennemis du chanteur insoumis, pourfendeur inlassable d'un régime corrompu et autoritaire, l'assassinèrent, pensant ainsi faire taire sa voix.

Dans cet article en deux parties, nous nous intéresserons d'abord aux transgressions musicales des hymnes:

* Le lundi 17 août 1969, alors que le festival de Woodstock touche à sa fin, Hendrix tire de son sommeille un public apathique. Le guitariste prodige et son groupe propose en effet une version apocalyptique de l'hymne américain, le Star spangled banner, véritable "guernica sonore" selon la formule d'Yves Delmas et Charles Gancel. Utilisant les distorsions, les sons qui sortent de sa guitare évoquent des cris, bruits de bombes, d'avions, Hendrix entend ainsi dénoncer, à sa manière, la boucherie vietnamienne.

Charles Schaar Murray affirme: "un homme et une guitare en disent plus en trois minutes et demie sur cet immense gâchis et ses conséquences que tous les romans, récits et films mis ensemble. [...] elle [l'interprétation] dépeint, de façon aussi descriptive que peut le faire un morceau de musique, à la fois ce que les Américains ont fait aux Viêt-namiens et ce qu'ils se sont faits à eux-mêmes."

La version originale de l'hymne avec force violons et envolées lyriques, c'est beau comme les fins d'épisodes de "la petite maison dans la prairie".

Le même hymne, dépoussiéré par Hendrix. Idéal, pour évacuer la cérumen de ceux qui trouve la version précédente formidable.

Cette interprétation d'Hendrix de l'hymne américain constitue assurément un des moments forts de la protestation de la jeunesse contre la guerre du Vietnam. En transformant la mélodie en sonorités typiques d'une guerre, Hendrix dénonce l'impérialisme yankee; surtout il souligne, indirectement, à quel point les paroles originales de l'hymne, censées refléter les valeurs américaines, sont bafouées par cette guerre: "" ô, faites que la bannière ornée d’étoiles flotte toujours / Sur le pays de l’homme libre et la patrie du brave ". La bannière étoilée est ainsi foulée aux pieds, malmenée, trouée, couverte de sang, traînée dans la boue par ceux là même qui prétendaient la protéger en partant à l'assaut du péril rouge en Asie orientale.

* Serge Gainsbourg enregistre en janvier 1979 une version iconoclaste de la Marseillaise, écrite en 1792 par Rouget de Lisle. Il se rend à Kingston et sollicite les services des musiciens de Peter Tosh et les choristes de Bob Marley. Gainsbourg présente sa version reggae au son roots en ces termes: "La Marseillaise est la chanson la plus sanglante de l'histoire. Aux armes, et caetera [le titre qu'il donne à son morceau], c'est en quelque sorte le tableau de Delacroix où la femme à l'étendard, juchée sur un amas de cadavres rasta, ne serait autre qu'une jamaïcaine aux seins débordant de soleil et de révolte en entonnant le refrain érotique héroïque". En effet, le choix du reggae, musique rebelle, pour porter le message de la révolution s'avère des plus cohérents.

Dès sa sortie, l'album remporte un immense succès, mais la chanson titre fait très vite couler beaucoup d'encre. Michel Droit, futur académicien publie un article aux relents antisémites les plus immondes, dans le Figaro magazine, autour d'un thème malheureusement classique: les juifs, par leurs provocations, risquent de déclencher des réactions antisémites. Aussi, ils feraient mieux de se tenir tranquilles. Il termine par exemple son article ainsi:" En dehors de la méprisable insulte au chant de notre patrie, ce mauvais coup dans le dos de ses coreligionnaires était-il vraiment le seul moyen que Serge Gainsbourg pût trouver pour relancer une carrière que l'on disait plutôt défaillante depuis quelque temps".

Après cette polémique qui en reste aux mots, les menaces deviennent physique. Gainsbourg doit chanter à Strasbourg le 4 janvier 1980 avec ses musiciens jamaïcains, là même où Rouget de Lisle écrivit Le Chant des armées du Rhin. Or, le colonel Jacques Romain-Desfossé, président de l'antenne alsacienne de l'Union nationale des anciens parachutistes réclame du maire de la ville une intervention afin que l'hymne ne soit pas chanté. "Faute de quoi nous nous verrions dans l'obligation d'intervenir physiquement et moralement et ce avec toutes les forces dont nous disposons".

Le 4 janvier après-midi, une alerte à la bombe dans l'hôtel des musiciens rastas oblige Gainsbourg à annuler le concert du soir. Néanmoins, le chanteur ne se démonte pas et grimpe sur scène pour annoncer l'annulation du concert. Il en profite pour entonner a cappela La Marseillaise, poing serré et torse bombé, défiant ainsi les paras qui occupent les premières rangées."Je suis un insoumis! Qui a redonné à La Marseillaise son sens initial! Je vous demanderai de la chanter avec moi!" Scène surréaliste: les militaires, ravis de ne pas entendre l'accompagnement reggae se mettent au garde à vous et jouent les choristes derrière Gainsbourg!!!

Les choses n'en resteront pas là, puisque Gainsbourg, ultime pied-de-nez, achètera le manuscrit original de La Marseillaise lors d'une vente aux enchères à Versailles, en décembre 1981.

Sources:
- Bruno Lesprit: "Gainsbourg métisse La Marseillaise" in Le Monde du vendredi 1er septembre 2006, dans la série "Scandales du XXème siècle.
- Christophe Traïni: "La musique en colère", Les Presses de SciencePo, 2008, p62
- Yves Delmas et Charles Gancel:"Protest song. La chanson protestataire dans l'Amérique des sixties", Textuel, 2005.

Liens:

- Un TPE consacré aux hymnes nationaux.

- écouter Gainsbourg à Strasbourg face aux paras.
- Chroniique de l'album reggae de Gainsbourg.

Entre les murs, le livre d'abord en attendant le film

2008-09-21T23:28:00.010+02:00

C'est cette semaine que le film de Laurent Cantet sort sur les écrans... Je rappelle qu'il a obtenu la palme d'or à Cannes en mai dernier et que l'auteur François Bégaudeau incarne le rôle du professeur....

Bégaudeau, Bégaudeau....ah, si je prends le livre en main et que je regarde la biographie succincte, je lis qu'il a publié moins d'une demi-douzaine de livres entre 2003 et 2006 dont le dernier est Entre les murs. J'apprends sur Wikipedia qu'il est l'auteur en 2008 de l'antimanuel de littérature (collection assez formidable à laquelle Bernard Maris et Michel Onffray ont déjà participé). Je sais qu'il est jeune (né en 1971) et assez beau garçon (à vous de juger) et qu'il a d'abord été professeur de lettres dans le secondaire avant de devenir écrivain à plein temps. Il a été également membre d'un groupe de rock-punk, les Zabriskie Point.
Depuis la sortie et le succès de son livre Entre les murs sa vie professionnelle semble transformée...chroniqueur littéraire sur Canal +, dans des magazines, il publie beaucoup ....son tout dernier (Une chic fille) est consacré à la journaliste prise en otage en Irak, Laurence Aubenas.

Revenons à son livre qui lui a permis de sortir de l'anonymat (le prix Télérama et photo en Une du même magazine), Entre les murs est un drôle de livre. Le style est assez simple, Bégaudeau nous invite dans le quotidien d'un enseignant de Lettres dans un collège de banlieue parisienne. Ce livre ne s'adresse pas exclusivement aux enseignants même si du coup, il est facile pour ces derniers de s'identifier.... C'est assez bien réussi....ces relations de travail entre enseignants : les phrases et les mots raisonnent bien, on sent le vécu. Cela ne veut pas pour autant dire qu'il s'agit d'un bon livre.
Les premières pages du livre décrivent la rentrée d'un prof. : le stress et la nervosité d'une rentrée d'abord entre collègues (pré-rentrée) puis avec les élèves. Ensuite, le quotidien, rien que le quotidien de l'enseignant, sa solitude, la violence des rapports avec les élèves et enfin ses erreurs. Tout ce récit, dans un style simple, direct, avec de nombreux dialogues qui rendent le livre très accessible. Belle trouvaille également que la description des élèves : ils sont décrits par les marques et inscriptions de leurs vêtements. Cette trouvaille stylistique est d'une belle justesse sur ce que sont réellement les ados d'aujourd'hui.

Bégaudeau, l'enseignant : le livre est plus complexe qu'il n'y paraît, objet littéraire, il est également le témoignage d'un professeur sur sa pratique et son vécu. Comme Philippe Meirieu le dit dans son excellent article, les pratiques du jeune professeur sont parfois contestables. Violences verbales (l'insulte : "les pétasses" surtout), rapports de force, "surchauffe affective" sont quelques uns des travers constatés. Bien évidemment, il n'est pas question de juger ces dérives car tous les enseignants sont susceptibles de les connaître un jour. Le témoignage n'en est d'ailleurs que plus fort.

Le propos du livre : Pourtant, le livre ne répond pas à toutes les questions : que faire de ces élèves ? Quel sens donner à l'école, à l'enseignement ? Quelle stratégie peut désormais le mieux fonctionner ? Toutes ces interrogations restent sans réponse, pire l'auteur ne se les pose pas ou ne veut pas se les poser, sans doute, trop ancré dans son quotidien. Le propos s'en trouve alors très amoindri. La description n'est pourtant pas neutre, elle suggère que l'enseignant et les élèves souffrent et de facto, l'école dans son ensemble.
Ca commence aujourd'hui, film de Tavernier, Etre et avoir de Philibert ou encore l'Esquive de Kechiche sont des films qui prennent partie. Ils sont plein d'espoir ou dénoncent des injustices....Bref, ils me disent plus et s'engagent sur LE sujet de société qui doit mobiliser toutes nos énergies.
Ce livre est finalement assez symptomatique du recul des ambitions pour l'école de la République. Le débat se résume aujourd'hui à une réalité purement comptable....pire, à des gadgets électoralistes : médailles, commémorations, fin des IUFM, retour de l'autorité, remise en cause de l'enseignant etc....

JC Diedrich

Pour aller plus loin :
Je vous invite à lire
Le texte tout en nuance de Philippe Mérieu sur le livre et le film...
L'article de Télérama

Histoire et géographie de la Mafia

2008-09-17T15:42:00.014+02:00

Les groupes mafieux jouent un rôle économique important à l'heure de la mondialisation. Certains flux illégaux, comme le trafic de drogue, sont en grande partie contrôlée par la Mafia. Pour mieux comprendre ce que recouvre ce terme, souvent utilisé de manière abusive, voici quelques précisions et des conseils de lecture, de films ou de musique sur ce titre.

Au départ, l'activité mafieuse est basée sur une offre de protection contre rémunération, c'est le racket de protection imposé aux entrepreneurs et commerçants. Cette rémunération est appelée pizzo en Sicile. Le patronat italien a établi en 2007 une cartographie permettant de mesurer l'étendue géographique des activités des différentes mafias en Italie. Outre Cosa Nostra, pionnière en la matière, l'Italie a en effet trois autres groupes mafieux : la 'Ndrangetha calabraise, la Camorra napolitaine et la Sacra Corona Unita qui sévit dans les Pouilles.
Outre ces quatres groupes, cinq autres organisations criminelles peuvent être qualifiées de mafia dans le monde. Il s'agit de la Cosa Nostra américaine, prolongation de la sicilienne, de la mafia albanaise (Albanie, Kososvo, Macédoine), de la maffya turque, des Triades chinoises et des Yakuzas du Japon. Ces groupes forment ainsi une sorte de "G9" évidemment non structuré même si des liens existent entre ses groupes.

Quelles sont les caractéristiques de ces mafias ?

Le contrôle d'un territoire, que ce territoire soit un secteur économique ou un espace géographique. 70 % des Napolitains ont ainsi affirmé dans un sondage que la Camorra contrôlait la ville... Ce contrôle ne permet aucune contestation, même de la part de l'Etat.
Une capacité d'ordre et de domination : "Une mafia représente un ordre juridique alternatif, parallèle et concurrent de celui de l'Etat"
La hiérarchie et l'obéissance : "L'individu disparaît derrière l'organisation"
L'ethnie et la "Famille" : chaque mafieux appartient à cette nouvelle "famille" que constitue la mafia et ses liens sont plus forts que les liens du sang. Le recrutement des mafias se fait dans un même groupe ethnique, gage de sécurité et de confiance.
La poly-criminalité : Les mafias ne sont pas spécialisées dans une activité criminelle mais s'investissent dans les activités criminelles de leur époque. Racket d'activités légales; trafic de drogues, de cigarettes, d'êtres humains, d'organes, d'armes; usure; jeu; contrefaçon; industrie du sexe (prostitution, proxénétisme, pornographie).
Les mythes et les légendes : Les mafias s'inventent un récit fondateur, "un passé glorieux de patriotisme, de résistance à l'oppression et de pratiques chevaleresques" pour se légitimer.
L'ancienneté et la pérennité : Il s'agit de sa capacité à survivre quelles que soient les conditions économiques et les pouvoirs en place (démocratie, régime autoritaire, fascisme,...).
Le secret et l'initiation : Silence, codes entre mafieux, rites initiatiques empreints de religiosité font parite de l'univers mafieux.

Toutes ces informations et les citations viennent de l'excellent ouvrage du commissaire Jean-François Gayraud, aujourd'hui disponible en poche : Le monde des mafias, Géopolitique du crime organisé, paru chez Odile Jacob en 2008.

Pour comprendre l'origine de ces entités criminelles, il faut lire le livre de John Dickie, Cosa Nostra. La mafia sicilienne de 1860 à nos jours, paru en poche dans la collection Tempus chez Perrin en 2007.

Pour avoir un aperçu rapide mais pertinent de l'histoire de Cosa Nostra, écoutez "La Cosca" d'Akhenaton. Je vous en parle en détail sur l'histgeobox où vous pourrez l'écouter.

Pour suivre l'implantation de Cosa Nostra aux Etats-Unis, je vous recommande la série de BD de Chauvel, Le Saëc et Scarlett intitulée Ce qui est à nous (ce qui est une manière de traduire Cosa Nostra), publiée chez Delcourt dans la collection Sang Froid depuis 2003. 10 tomes sont parus. Ils sont prolongés par la série Mafia Story depuis 2007.

Enfin, ne ratez pas le film Gomorra de Matteo Garrone. C'est une plongée passionnante dans la cité des Vele à Scampia dans la banlieue déshéritée de Naples, rongée par la drogue et la Camorra.
Le film suit quelques uns des personnages du livre du même nom , écrit par Roberto Saviano. Saviano, originaire de Scampia, a écrit un livre magistral qui permet de comprendre les logiques économiques au coeur du fonctionnement de la Camorra. Il vit aujourd'hui sous protection policière.
Voyez cet entretien qu'il a accordé à l'émission Métropolis sur Arte :

Roberto Saviano "Gomorra"

Les Temps modernes de Chaplin.

2008-09-16T16:58:00.002+02:00

L'affiche du film.

Charles Chaplin réalise les "Temps modernes", en 1936. Son personnage de Charlot bénéficie déjà d'une extraordinaire popularité. Il invente son personnage de vagabond au grand cœur deux décennies plus tôt, à la veille de la grande guerre. Charlot incarne la souffrance de tous les déshérités. Les "temps modernes" marque la dernière apparition de Charlot à l'écran , dans un contexte nouveau pour lui, celui de la Grande Dépression. Le chômage de masse coïncide alors avec la mécanisation industrielle.

Chaplin, qui fut toujours très attentif aux problèmes économiques et sociaux de son époque, déclarait en 1931: "le chômage, voilà la question essentielle. Les machines devraient faire le bien de l'humanité, au lieu de provoquer tragédie et chômage". Ironiquement, le film s'ouvre sur un carton sur lequel on peut lire une phrase ronflante: "un récit sur l'industrie, l'initiative individuelle et la croisade de l'humanité à la recherche du bonheur". Juste après, le réalisateur juxtapose des moutons et des ouvriers sortant d'une bouche de métro (dont un mouton noir: Charlot).

L'Histoire.

Charlot est un ouvrier qui travaille à la chaîne dans une usine. Il resserre tout au long de la journée deux boulons sur les pièces détachées d'un objet non identifié qui défilent devant lui sans interruption. Poissard, Charlot est confronté à plusieurs incidents qui lui font perdre le rythme et paralysent la chaîne.

Ensuite, il sert de cobaye pour tester une nouvelle machine à faire manger les ouvriers automatiquement, sans qu'ils aient à interrompre leur travail lors du déjeuner. L'engin, pas encore au point se révèle être un véritable instrument de torture.

Lorsqu'il reprend son travail, Charlot semble atteint de folie. Happé par la machine, il en ressort hilare, frappé d'une sorte de danse de Saint-Guy, il asperge ses camarades d'huile. On finit par l'hospitaliser. A sa sortie d'hôpital, il ramasse un drapeau rouge tombé d'un camion. Aussitôt, des manifestants le prennent pour un meneur et le suivent. Arrêté par la police, il devient un prisonnier modèle qui déjoue, bien malgré lui, une évasion, ce qui lui vaut une grâce. Malgré ses protestations, il est libéré.

Il vient alors en aide à une jeune orpheline ("la gamine", interprétée par Paulette Goddard). Charlot se fait alors engagé comme veilleur de nuit dans un grand magasin, mais il retourne en prison après un cambriolage perpétré par un de ses anciens collègues. A sa libération, la gamine le fait engager comme serveur-chanteur dans un restaurant où elle se produit comme danseuse.

Alors qu'il s'apprête à rentrer sur scène, il perd son texte et improvise une chanson dans un charabia incompréhensible. C'est un triomphe, mais aussitôt après, les policiers de la brigade des mineurs pénètrent dans l'établissement pour arrêter la gamine. Le couple parvient à s'enfuir et s'éloigne, main dans la main, vers d'autres aventures.

Les choix de Chaplin.

- L'absence de dialogues. En 1936, le cinéma parlant s'est déjà imposé depuis presque 20 ans. Pourtant, Chaplin, spécialiste de la pantomime muette, se refuse au dialogue. Il tente néanmoins de préparer des dialogues et enregistre même quelques essais, peu concluants à son goût. Les seules voix humaines qu'on entend sont passées par le filtre des procédés technologiques: le patron qui s'adresse à ses ouvriers via son écran de télévision, le vendeur de la machine qui se réduit à une voix dans un phonographe. Seule exception, lorsque Charlot improvise sa chanson dans le restaurant dans un charabia rappelant vaguement l'italien.

- En revanche, la musique et les effets sonores sont omniprésents dans le film. Chaplin compose lui-même la musique. C'est du sur mesure, puisqu'elle épouse le rythme de travail. Lorsque la chaîne s'accélère, la musique aussi.

- Un travail de repérage pointilleux: une dizaine d'année avant de réaliser les Temps modernes, Chaplin a visité les usines Ford de Detroit, d'où sortent une voiture toutes les 40 secondes!!! Les chaînes de montage impressionnent alors tout particulièrement le réalisateur qui s'en est sans doute inspiré pour concevoir les décors de son film.

* Une satire implacable du taylorisme.

Charlot est aux prises avec une machine effrayante, aux engrenages gigantesques. L'ouvrier ne devient qu'un appendice de la machine. Celle-ci dicte sa cadence infernale, déshumanise les individus dont le comportement s'apparente à celui d'un robot (Charlot répète inlassablement les mêmes gestes et continue à agir tel un automate lors de sa pause repas). L'homme calque ses mouvements sur les rouages de la machine et non le contraire. Pire, cette dernière se substitue même aux hommes pour les nourrir. Au fond, elle broie les individus. D'ailleurs, Charlot est avalé et se retrouve dans le ventre de la machine, qui digère et aliène. Il en ressort totalement dément.

Bien sûr, il s'agit de cinéma et Chaplin force le trait, il n'empêche, sa charge ne manque pas de souffle. Là où de longs discours théoriques rendraient le sujet ennuyeux, Chaplin utilise l'humour pour mieux dénoncer l'exploitation de l'homme par l'homme, par machine interposée. Ainsi, le patron de l'entreprise dans laquelle Charlot travaille, impose des cadences infernales, sans se soucier des conséquences sur la santé physique et mentale de ses ouvriers. Il ne s'adresse jamais directement à eux, mais toujours par écran interposé (exemple: lorsqu'il surprend Charlot en train de fumer aux toilettes, grâce à un système de video surveillance).

On reste frappé par la modernité du film et son impact sur les lycéens d'aujourd'hui. Au bout du compte, la réalité que Charlot dépeint n'est finalement pas si éloignée de celle de beaucoup d'ouvriers aujourd'hui en Europe.

Sources:

- Livret du DVD des Temps modernes, éditions Hachette.

- Le manuel d'histoire de Première, édition Brodas.

Léon Werth: "Déposition, journal 1940-1944".

2008-09-13T19:17:00.004+02:00

Observateur impitoyable de son temps, à la fois anticlérical, antistalinien, antimilitariste et anticolonialiste, Léon Werth reste un écrivain injustement méconnu.Son œuvre s'avère pourtant particulièrement riche et variée. On lui doit entre autres deux brûlots antimilitaristes Clavel soldat et Clavel chez les majors, tous deux parus en 1919, mais aussi un récit de voyage, Voyage avec ma pipe, un récit de l'exode intitulé 33 jours, mais aussi de nombreux articles pour des revues de la Belle Epoque comme Gil Blas, Les cahiers d'aujourd'hui, puis pour des journaux de l'entre-deux-guerres comme Marianne, Monde...

Ici, nous nous intéresserons plus particulièrement au journal qu'il écrit au cours du second conflit mondial. Après avoir vécu l'Exode au volant de sa Bugatti (expérience qu'il évoque dans 33 jours), Léon Werth se réfugie en zone-sud, à Saint-Amour, dans le Jura. C'est là aussi qu'il écrit sa Déposition, un témoignage extraordinaire sur les années noires. A la lecture du journal, on est frappé par la lucidité de Werth. Immédiatement anglophile, il n'est pas dupe de la propagande de Vichy qu'il s'emploie à décrypter. Il s'agit ainsi d'un témoignage de premier plan sur Vichy, car l'auteur s'intéresse particulièrement aux évolutions de l'opinion publique et à la réception dans les campagnes de la propagande de l'Etat français.

Il décrit avec talent les multiples arrangements de la population avec l'occupant, les compromissions, lâchetés. Pour autant, il ne joue pas les redresseurs de torts, donnant des leçons de moral. Pour Jean-Pierre Azéma, qui a établi l’édition du journal de Léon Werth: "Werth, très sensible aux ambivalences, aux fluctuations de l'opinion, nous guérit certainement de la maladie du manichéisme, des oppositions binaires".

Antoine de Saint-Exupéry et Léon Werth. Une amitié très forte unissait les deux hommes. D'ailleurs, le premier dédie son Petit Prince:"A Léon Werth, quand il était petit garçon". (voir extrait en fin d'article).

Déposition sort en 1946, dans la plus grande indifférence. Pourtant, comme le rappelait son ami, l'historien Lucien Febvre:"Je dis simplement que, par son admirable sincérité, (...) par le souci constant d'interprétation juste et fine des réactions paysannes, Déposition est pour l'historien un des témoignages les plus directs et les plus précieux dont il puisse disposer pour recomposer l'évolution des esprits dans un coin de terre française, entre les temps nauséeux de l'armistice stagnant et cette grande année de la Libération (...)."

Laissons la parole à l'auteur au travers de ces quelques extraits:

"le 16 octobre 1940
Les autorités occupantes" ont fait briser à Paris les matrices des disques de Wanda Landowska (une très grande claveciniste), parce que Wanda Landowska est juive.
C'est un pouvoir fort que celui qui brise l'ébonite et porte un jugement musical fondé sur les chromosomes."

" le 21 octobre 1940
Le journal est plein d'exercices de bonne humeur et d'optimisme. La France va se relever, la France se relève. Cette rhétorique de consigne déconcerte par sa stupidité, j'allais dire par sa goujaterie: on ne danse pas dans la chambre d'un grand malade".

"Le 9 juillet 1941
Je vais à Lons pour y déclarer qu'au terme de la loi du 2 juin 1941, je suis juif. Je me sens humilié, c'est la première fois que la société m'humilie. Je me sens humilié, non pas d'être juif, mais d'être présumé, étant juif, d'une qualité inférieure."

" Le 24 mai 1943
Le lis dans Le Nouvelliste: "Cette année, au concours d'éloquence institué entre les collèges libres ... le sujet proposé était le suivant: "Pourquoi faut-il aimer sa mère?"" Suit une colonne entière de citation du Maréchal. De quoi donner au fils le plus tendre l'envie d'égorger sa mère."

" Le 9 août 1944
Onze heure du soir. J'écoute vaguement la radio. Soudain j'entends: "le pilote français de Saint-Exupéry, qui appartenait à une formation dissidente, a été porté manquant à la suite d'une mission au-dessus de la France." Les événements historiques me sont indifférents. Je vois la chute d'un avion désemparé, je vois un avion qui brûle. Je vois son visage.
Je pense à tant d'heures d'amitié. (...)
Pensées stupides: c'est douter de lui, c'est le trahir que de croire à sa mort. J'espère. Il est tombé blessé. Il est soigné chez des paysans."

" Le 22 août 1944
L'imagination anticipe; ils sont partis [les Allemands]. Et déjà, on sent venir l'oubli. La guerre va se coller à d'autres guerres dans le passé. La guerre n'est plus rien que deux dates, que les enfants réciteront. (...)
Oubliera-t-on aussi l'incroyable dans l'atroce? Oui, comme le reste. Comment faire qu'on ne l'oublie pas? (...)"

Extraits de:
- Léon Werth: Déposition, extraits, Points, 2007, 7euros.

- Léon Werth: Déposition, Viviane Hamy, 1992, 25 euros 80.

Liens:

- "Saint-Exupéry et Léon Werth: histoire d'une amitié" sur Artslivre.com.

- Léon Werth par Christian Lassalle.

- D'autres extraits du journal au format PDF.

- Léon Werth aux éditions Viviane Hamy.

Radiohead, révolutionne un peu la musique et le numérique

2008-09-13T15:16:00.007+02:00

Tout le monde connaît au moins de nom le quintet d'Oxford. Il s'agit de l'un des derniers grands groupes rock qui tourne de concert en concert autour de notre belle planète.

A la sortie de leur dernier album, le monde de la musique a tremblé : était-ce un Tsunami, un rayon de soleil un arc en ciel ? In Rainbow était au départ un album immatériel à télécharger sur le site du groupe. Les maisons de disques, déjà en crise devaient avaler une nouvelle couleuvre.... arc-en-ciel. Oui, le groupe à succès proposait (à partir du 10 octobre 2007) le téléchargement de leur dernier opus gratuitement ou contre une somme d'argent que l'internaute devait lui-même fixer.
Thom Yorke, le chanteur voulait en effet s'affranchir des intermédiaires souvent trop gourmands. D'un point de vue économique l'affaire a été des plus rentables. Le site a enregistré 1,2 millions de téléchargement avec en moyenne un paiement de 5 euros 80....faites le calcul, c'est comme on dirait vulgairement : Tout béneffff !
Dans une interview à Télérama, Thom Yorke développe un point de vue lucide et militant sur l'industrie du disque : "ce système absurde des contrats pour six albums. La logique des majors du disque n'a plus de sens. Je ne crois plus qu'aux labels indépendants, aux petites structures. Le jour où EMI est entré en Bourse, les considérations économiques ont remplacé les valeurs artistiques."
Le groupe est désormais libre, il s'éloigne des formats pop (couplets, refrains) pour écrire sa propre grammaire....Certains diront qu'il s'agit du meilleur opus parmi les sept que Radiohead a produit.

Il est cependant évident que le modèle économique numérique n'est pas viable pour les petits groupes. Mais entre Youtube, Dailymotion, Deezer et Emule, la musique dématérialisée est l'avenir....et une réalité pour les lycéens, c'est comme cela qu'ils la consomment....On ne fera donc pas machine arrière, même si le gouvernement a fait voter une loi contre le Peer to Peer.
Le numérique offre donc une musique gratuite, le support qui justifiait symboliquement le prix a disparu, pour autant il faudra bien proposer de rémunérer les artistes (et les éditeurs qui prennent les risques également)....une taxe sur les supports ou sur la connexion internet peut en partie financer les artistes et les éditeurs...à condition qu'ils soient moins gourmands. Eh, oui l'âge d'or est terminé, la baisse du prix des CD pour enrayer la dégringolade est sans doute trop tardive.

Quant à l'album, In Rainbow, on constate que Radiohead a su écrire une musique originale qui baigne dans de multiples influences : rock, classique ou New Age... Plus rock que Pink floyd, le groupe nous propose des musiques où les guitares crissent, la voix funambule de Yorke, haute perchée plane sur des mélodies parfaites et souvent originales....

Les succès des dix dernières années : Creep, No surprise et d'autres ont illustré des films, des séries.....et ce n'est pas fini.

Quant à In Rainbow, il n'est plus téléchargeable sur le site du groupe depuis le 31 décembre 2007, date à laquelle le groupe a décidé de sortir une version CD. Ce retour en arrière est confirmé cette année, puisque le Best Of se trouve sur les étals de nos meilleurs disquaires qui respirent un peu !

Ecoutez l'album In Rainbow sur Deezer.

Découvrez Radiohead!

Jean-Christophe Diedrich

Petite histoire du Rap (2) Old School

2008-09-13T09:36:00.007+02:00

Pour écouter ce texte, cliquez ci-dessous :

A partir de 1979, le rap et le Hip-Hop commencent à être connus au-delà du Bronx où ils s'essoufflent au fur et à mesure que leurs adeptes "grandissent". Venu de la rue, le rap investit progressivement d'autres lieux, notamment les clubs, y compris à Manhattan. Les rappeurs cherchent à gagner leur vie et plus seulement à "être le meilleur".
Des cassettes pirates des pionniers commencent à circuler, elles stimulent la jeunesse noire et latino du Queens, de Brooklyn ou de Long Island.
Naturellement, des producteurs perçoivent les possibilités de cette musique.

Mais cela n’allait pas de soi. Pour les rappeurs, le rap ne peut être mis sur un disque. Les stars raps du moment, en particulier Grandmaster Flash, se refusent à signer des contrats.

C’est donc un groupe sans nom et qui emprunte en partie ses textes qui va inaugurer une nouvelle ère. Les Trois rappeurs que l'on entend sur "Rapper's Delight" n'ont aucune réputation à défendre et n'ont donc rien à perdre.

A l'origine de ce "coup" médiatique, la chanteuse de Soul Sylvia Robinson (la pochette d'un de ses disques ci-contre). Avec son fils Joey, elle essaie de faire signer un groupe de rap mais rencontre l'indifférence.
Durant l'été, le premier titre enregistré du Hip-Hop sort sur la face B d'un single du groupe de funk Fatback Band, il s'agit de "King Tim III (Personality Jock)". Un animateur de radio, Tim Washington, y rappe sur un instrumental du groupe.
Joey Robinson dégote alors un fan de Kool Herc, ancien videur et manager de Grandmaster Caz. Joey l'entend par hasard rapper sur un enregistrement de Caz et le convainc de passer une audition avec deux autres à Englewood dans le New Jersey. Le soir-même, Henry "Big Bank Hank" Jackson, Guy "Master Gee" O'Brien et Michael "Wonder Mike" Wright signent un contrat pour le nouveau label de Sylvia Robinson, Sugar Hill Records. Le Sugar Hill Gang était né.

Basé sur l'instrumental du "Good Times" de Chic, l'un des succès de l'été 1979 (ce groupe gagne d'ailleurs le procès qui suit pour récupérer les bénéfices), le titre "Rapper's Delight" est rapidement le premier tube mondial du rap jusqu'à devenir alors le maxi 45 tours le plus vendu de tous les temps !
Les rimes sont "empruntées" à Grandmaster Caz et le titre popularise le style gimmick : parler sans arrêt sur de l'instrumental. Autre nouveauté, la longueur du morceau. Il dure 15 minutes dans sa version longue. C'est beaucoup trop long pour la plupart des radios, mais c'est plutôt court pour du rap. Beaucoup de b-boys y voient alors une escroquerie peu conforme à la spontanéité habituelle, aux improvisations, au dialogue avec la foule des danseurs lors des performances live.
Malgré cela, la plupart des "puristes", y compris Flash, se lancent dans l'aventure de l'enregistrement. Les Funky 4+1 More (photo ci-contre) et les Treacherous Three signent chez Enjoy Records, The Sequence chez Sugar Hill qui devient, malgré la méfiance des débuts, l'un des principaux label du rap Old School. Contrairement à l'usage dans le rap, Sugar Hill Records préfère utiliser un orchestre avec des cuivres, le Sugar Hill Band , qui joue sur une grande partie des titres du label, y compris "The Message".

En essayant de recréer en studio l'atmosphère live, beaucoup de groupes de rap vont échouer. "Rapper's Delight", tout décrié qu'il est, a signé l'entrée du rap de la rue dans l'ère du disque et du commerce. Peu à peu, sous la pression des maisons de disque, le rap cesse d'être "une performance live dominée par le DJ" pour devenir "un médium enregistré dominé par les rappeurs" ou MC (Chang). En s'ouvrant au monde, suscitant de nombreuses imitations, le rap se transforme et semble disparaître, en tout cas sous sa forme des années 1970. Les morceaux enregistrés de trois minutes remplacent les longues performances live.
Le succès grandissant de cette musique dans les clubs cache d'ailleurs mal le fait que les b-boys disparaissent progressivement. On y vient pour écouter du rap plus que se déchaîner sur la piste de danse.

Voici "Rapper's Delight" :

Vous pouvez écouter une version audio en voyant défiler les paroles, vous constaterez à quel point elles sont recherchées...

En cette fin d'année 1979, les titres enregistrés se succèdent. Kurtis Blow en fait partie avec son "Christmas Rapping" dans la tradition des comptines de Noël, "The Breaks" suit en 1980. Joe Bataan, musicien de salsa, ancien gangster originaire de Spanish Harlem, sort "Rap-O Clap-O" sur lequel a travaillé Arthur Baker. Sur le maxi de Bataan, on entend "un beat disco gorgé de percussions et de piano, une voix latine qui chante en anglais avec quelques paroles en anglais" (Cachin). Mais l'originalité du morceau séduit plus en Europe qu'aux Etats-Unis et Joe Bataan se consacre ensuite davantage à l'action sociale. Grandmaster Flash et les Furious Five enregistrent dans les studios de Sugar Hill à Englewood, mais si Melle Mel et Cowboy font l'éloge de l'art de Flash dans leurs paroles, on n'en voit pas la couleur dans "Superappin", signe que les temps ont changé...
Pour entendre la dextérité de Flash à l'oeuvre, il faut écouter "The Adventures of Grandmaster Flash on the Weels of Steel" , également enregistré en 1979, dont je vous ai parlé dans le premier épisode.

Bref, comme le résume admirablement l'historien du Hip-Hop Jeff Chang : "La tension entre la culture et le commerce allait devenir l'une des intrigues principales de la génération hip-hop." Cela est vrai jusqu'à aujourd'hui, écoutez ce qu'en dit Kery James en 2008 dans son "Vrai Peura" :
" Je collectionne les disque de bétons
Le Major veut nous ramener dans les champs de coton ! Ils veulent asservir le Hip-Hop
Produisent plus de contrefaçon qu'a Bangkok ! Ils ne veulent prendre aucun risque
Ils voudraient faire vérifier le texte, par le Ministère de la Justice !
Depuis que les radios mènent la danse
Les rappeurs mènent des carrières de 3 min. 30"

Côté musique, le rap Old School est caractérisé par un style très funky, avec des basses lourdes. Pour les paroles, l'atmosphère est plutôt optimiste, ce n'est clairement pas le point fort des premiers maxis de raps : y dominent des préoccupations matérialistes, des histoires de jolies filles, de déhanchements, de la vantardise.
Il faut attendre les effets sociaux de la politique du président Reagan pour faire sortir les rappeurs de leur réserve. C'est ce que nous verrons dans le prochain épisode.

Voici la playlist des chansons dont je vous parle dans cet épisode. Vous y trouverez d'autres titres old school :

Histoire du Rap (2) Old School

Les autres épisodes :

Retrouvez le prélude à cette petite histoire du rap
Premier épisode : The Founding Fathers : DJ Kool Herc, Afrika Bambaataa et Grandmaster Flash
Old School
Un "Message" dans l'Amérique de Reagan
Les années 1980 : From Ol' School to Nu School
Public Ennemy : Power To The People And The Beats

L’émergence du Gangsta Rap et de la Côte Ouest
La réponse de NYC
Le Dirty South se réveille
Naissance du Rap en France
...

En attendant la suite dans deux semaines, vous pouvez consulter ici la petite bibliothèque du rappeur (livres, films, bd, disques,...) et le lexique (en construction). Répondez à la devinette en fin de podcast en laissant un commentaire à ce message. Consultez également la Petite géographie du Rap en France et dans le monde qui vous permet de retrouver des informations sur les artistes à partir d'une carte. Le dossier complet sur l'histoire et la géographie du rap. Pour télécharger le podcast, vous pouvez le faire (notamment avec itunes) en cliquant ici.

Petite histoire du Rap (1) The Founding Fathers : DJ Kool Herc, Afrika Bambaataa et Grandmaster Flash

2008-09-07T15:57:00.006+02:00

Pour écouter ce texte, cliquez ci-dessous :

C'est d'une sorte de sainte trinité du Hip-Hop dont je vais vous parler. Chacune de ces trois personnes a joué un rôle fondamental dans l'émergence du Rap et de la culture Hip-Hop. Si le Hip-Hop était une religion, nul doute que DJ Kool Herc serait le Père, Afrika Bambaataa le Saint-Esprit et Grandmasterflash le fils.

"Le jour où DJ Kool Herc inventa le Hip-Hop" (Jeff Chang)

Clive Campbell a grandi en Jamaïque, à Kingston, où il est né en 1955 et où il a vu les sounds-systems mobiles fonctionner et entendu de loin les bruits de la fête. Son père collectionne les disques de reggae, de jazz, de gospel et de country. Arrivé avec ses parents dans le West Bronx en 1967, à 12 ans , il s'efforce autant qu'il le peut de perdre son accent jamaïcain, pas encore à la mode... Déjà, enfant, en écoutant la collection de disques de son père, il s'efforçait d'imiter la voix des musiciens noirs américains. Il s'évertue à s'intégrer à cet environnement urbain à priori hostile, fréquente un peu les gangs mais s'en éloigne à partir du lycée où il se distingue en athlétisme. Comme beaucoup de jeunes de son âge, il participe à l'émergence du graff dans ce début des années 1970. C'est à ce moment qu'il se fait appeler Clyde as Kool puis Kool Herc. Sa mère l'emmène dans des house parties et il achète ses premiers 45 tours, déjà désireux d'animer lui-même ses propres fêtes. Son père, qui parraine un groupe de rythm'n'blues, lui interdit de se servir de la sono du groupe. Pourtant, personne ne sait s'en servir comme il faut. Clive profite d'une absence de son père pour la bricoler et lui donner une puissance sans égale dans le quartier. Il n'entendit pas son père rentrer tellement le volume était fort. Clive n'eut bien sûr pas le droit à des remontrances et eut désormais le droit d'utiliser le sound-system...

Arrive la dernière semaine d’août 1973. Une fête est organisée par Cindy Campbell au 1250 Sedgwick Avenue. Pour animer cette soirée qui a lieu dans la salle de l'immeuble où réside la famille Campbell, Cindy fait appel à son frère Clive, qui se fait appeler Kool Herc. Celui-ci diffuse des disques et s'empare du micro pour chauffer la foule. Cette fête va devenir un mythe, une espèce d'aube du Hip-Hop (ci-dessous, flyer de cette fête).

A l'été 1974, Herc a de plus en plus de succès et organise une free party à l'extérieur. Dans le Bronx, des Block partys se déroulent dans la rue, fermée à la circulation pour l’occasion. Un Disc-Jockey, le fameux DJ, est aux manettes, il a avec lui des disques, des maxi-45 tours dont il a enlevé les étiquettes pour ne pas dévoiler ses disques aux autres DJs. L’autre personnage important de la fête, c’est le Master of Ceremony, le non moins fameux MC. Il va accompagner de ses mots la sélection musicale du DJ. Au fil du temps, ce simple accompagnement verbal s’étoffe et devient rime. Le rappeur qui accompagne DJ Kool Herc s'appelle Coke La Rock. Kool Herc a remarqué depuis longtemps que les danseurs attendent certaines parties des chansons diffusées par le DJ, plutôt les parties instrumentales. Il va s'efforcer de faire durer ce moment, le break, aussi longtemps que possible en une sorte de manège, de merry-go-round. Il enregistre le même break sur deux disques différents. Ce break ne dure pas longtemps, 5 secondes tout au plus, mais il fait durer le plaisir en enchainant les deux disques l'un après l'autre. Les Breaks-boys, que l'on appelle ensuite les b-boys (synonyme de fan de rap) se déchaînent sur le manège de Herc.

[Ci-contre : Carte du Bronx en 1916]

Progressivement, Herc élargit son audience et suscite des vocations. Il continue à jouer dans la rue, mais aussi dans les clubs où il obtient des contrats. Sa renommée s'étend bientôt au-delà du Bronx. La compétition entre DJs, ainsi qu'entre MCs prend des allures de rivalité lors des Battles. Cette tradition des Battles est toujours bien vivace. On la retrouve dans la danse et le graff.

Herc connaît son heure de gloire juqu'en 1977 puis décline ensuite. Il prend du recul après une agression où il est blessé au couteau, signe que le Hip-Hop n'a pas fait disparaitre la violence.
Dans le Sud-Ouest du Bronx l'étoile d'un autre DJ, Afrika Bambaataa, commençait à briller tandis que le South Bronx était le territoire de Grandmaster Flash.

Afrika Bambaataa et la Zulu Nation

Né avant 1960 à Manhattan de parents originaires de la Jamaïque et de la Barbade, Afrika Bambaataa ou "Bam" arrive en 1971 dans le Bronx. Sa famille quitte alors Harlem suite à un incendie et s'installe dans les Bronx River Houses, un project au coeur du Bronx.
Il grandit dans un univers baigné à la fois par les mouvements culturels et les mouvements de libération noirs et par les musiques qu'écoute sa mère (des artistes comme Myriam Makeba, Mighty Sparrow, Joe Cuba ou Aretha Franklin). Il est alors fasciné par un film de 1964, Zulu relatant une victoire des Britanniques sur les Zulus en Afrique du Sud au XIXème siècle. Malgré tous les biais de ce film, il y voit le modèle d'une solidarité noire qui lui font alors prendre la décision de fonder plus tard un groupe s'appelant la Zulu Nation.
Alors que l'héroïne fait des ravages dans le Bronx, il fréquente le gang des Black Spades mais cherche vite à dépasser les limites territoriales imposées à tous à un moment où les gangs sont en perte de vitesse. Il fait de même avec la musique, n'hésitant pas à traverser les frontières. Personnage charismatique, il entraîne autour de lui des dizaines de jeunes séduits par sa démarche. Lorsqu'il prend son ghettoblaster sur l'épaule, Bam entraine dans son sillage des jeunes vers des Block Parties. Il se forme alors au DJing avec Kool DJ D et Disco King, deux anciens Spades. Mais contrairement à eux et dans la lignée de DJ Kool Herc, il privilégie le break sur la chanson. Il créée une première organisation qu'il appelle la Bronx River Organization. Une sorte d'alternative aux gangs. Il voyage en Afrique et en Europe après avoir gagné un concours de rédaction au lycée. Ce voyage et le décès de son cousin Soulski tué par la police en 1975 sont un tournant dans sa vie et lui ouvrent les yeux sur beaucoup d'aspects.

A l'été 1975, Bambaataa lance sa Zulu Nation. Dans une atmosphère conviviale et optimiste, le mouvement rassembledes danseurs (les Zulu Kings), des danseuses (les Shaka Queens), des rappeurs (notamment Queen Lisa et Sha-Rock qui sont "les deux premières nanas à balancer leur flow") et des graffeurs. C'est l'époque où les "quatre éléments" du Hip-Hop se conjuguent dans le Bronx : la breakdance, le DJ-ing, le MC-ing et les graffitis. Au travers de la Zulu Nation, Bambaataa veut diffuser ses principes d'ouverture d'esprit, de connaissance, de sagesse, de compréhension, de respect. Il ne professe pas la non-violence mais demande aux Zulus de ne pas être les agresseurs.
A l'image de son eccléctisme musical de DJ, Bambaataa emprunte des idées à des univers très différents pour rédiger les Seven Infinity Lessons, principes fondateurs de la Zulu Nation. Empruntant au Black Power et à la Nation of Islam, il s'en éloigne sur de nombreux points, notamment la séparation raciale. Les Lessons ne sont donc pas un code figé et contraignant, mais une pensée en constante évolution basée sur la connaissance et la vérité. Ce mode de vie séduit dans le Bronx parmi les jeunes noirs mais également de l'autre côté de la Bronx River, chez les Latinos.

Grâce à la richesse de ses connaissances musicales, Bambaataa est le roi de la programmation. Contrairement à Kool Herc qui décline après 77, Bam enregistre des titres à partir du début des années 80 avec les Soul Sonic Force. Son titre le plus fameux est incontestablement "Planet Rock". Le disque est produit par Arthur Baker et John Robie. Le morceau "Trans-Europe-Express" du groupe d'électronique allemand Kraftwerk sert de sample. Le titre signe l'entrée du rap dans l'ère électro-funk. Voyez la vidéo ci-dessous, ne serait-ce que pour les costumes...
par la suite, Bam ne cesse jusqu'à aujourd'hui de poursuivre sa quête musicale en explorant différents univers et en enregistrant notamment avec Gary Numan, Yellowman, John Lyndon des Sex Pistols, James Brown enfin en 1984 où les deux "Parrains" (celui de la Soul et celui du Hip-Hop) enregistrent le fameux "Unity" qui reprend les slogans de la Zulu Nation ("peace, love, unity and having fun").

Grandmaster Flash : "Précision, sophistication et don pour le spectacle"

Joseph Saddler, grandit à Fox Street, dans un quartier violent du South Bronx. Il est né en 1958 à la Barbade avant que ses parents n'immigrent à New York, il est le seul garçon parmi quatre sœurs. L'adolescent passe son temps à bricoler toutes sortes d'appareil, des autoradios aux sèche-cheveux. Il se rend aux fêtes organisées par DJ Kool Herc et Pete "DJ" Jones pour observer, admirer ce que faisait Herc tout en en percevant les limites, le manque de précision. En raison de son habileté à changer les disques, parfois les mains dans le dos ou même avec les pieds, il gagne le surnom de Grandmaster. Sa rapidité d'exécution lui valent celui de Flash par référence au héros de BD. Il trace des repères sur ses disques pour démarrer le break au bon moment, le cutting était né. Il perfectionne ensuite le scratch, découvert fortuitement par Theodore (futur Grand Wizzard Theodore, alors un enfant) lorsqu'il posa sa main sur la platine alors que sa mère l'appelait. Flash enregistre d'ailleurs en 1979 le premier morceau de scratch : "The Adventures of Grandmaster Flash on the Weels of Steel" (un vrai petit bijou truffé de samples). Suivent le backspin et le double-back, mais là, ça devient compliqué...

Ayant perfectionné ses techniques, Flash se lance en 1975 dans l'organisation de fêtes mais, face à un semi-fiasco, se décide à étoffer son spectacle et fait appel à Robert Keith "Cowboy" Wiggins pour faire le MC. Puis s'ajoutent les frères Glover : Melvin "Melle Mel" et Nathaniel "Kid Creole". Alors qu'il joue désormais dans des clubs, le posse passe de 3 à 5 MCs (avec Rahiem et Scorpio) qui deviennent les Furious Five. Flash devient en peu de temps une figure incontournable grâce à ses talents : "Précision, sophistication et un don pour le spectacle" (Jeff Chang) et la réputation de celui qui "détruit les disques" mais sait mener la fête comme nul autre.
Ayant longtemps refusé d'enregistrer des disques, il finit par accepter de le faire avec les Furious Five chez Sugarhill, le label qui a enregistré "Rapper's Delight" en 1979. Le titre le plus célèbre du groupe est "The Message", sorti en 1982, véritable rupture dans un rap jusqu'alors plutôt ludique, je vous en parle sur l'histgeobox. Mais le succès du titre cache le fait que le groupe n'a joué qu'un rôle mineur dans sa production et sa réalisation. Les désaccords s'intensifient et Flash quitte la label peu de temps après. Le groupe s'éteint progressivement pendant les années 1980. En 1998, Grandmaster Flash sort Flash is back.

Voici la playlist de ce premier épisode :

Histoire du Rap (1) Founding Fathers

Les autres épisodes :

Prélude
The Founding Fathers : DJ Kool Herc, Afrika Bambaataa et Grandmaster Flash
Old School
Un "Message" dans l'Amérique de Reagan
Les années 1980 : From Ol' School to Nu School
Public Ennemy : Power To The People And The Beats

L’émergence du Gangsta Rap et de la Côte Ouest
La réponse de NYC
Le Dirty South se réveille
Naissance du Rap en France
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Artiste du mois (2) Matoub Lounès.

2008-09-04T12:28:00.016+02:00

Matoub Lounès.

Lounès Matoub, héraut de la culture berbère, mais également défenseur de la laïcité et de la démocratie, est assassiné le 25 juin 1998, à quelques kilomètres de son village natal (Taourit Moussa). Si le GIA revendique l’assassinat dès le 30 juin, les circonstances du meurtre restent obscures. L’annonce de sa mort a provoqué consternation et colères dans toute la Kabylie. De nombreux jeunes dénoncent alors l’intégrisme et l’incapacité du pouvoir. En éliminant le chanteur, les intégristes ont cherché à faire taire un homme qui symbolise la résistance à l’islamisme. En 1988, un gendarme le blesse grièvement. En 1994 déjà, il avait été enlevé par le GIA le 25 septembre 1994 et n’avait dû sa libération, le 9 octobre 1994, qu’à la mobilisation populaire des Kabyles.

Tout au long de sa carrière, Matoub Lounès sut marier le chant poétique Kabyle au chaâbi, musique populaire algérienne, dérivée de la musique arabo-andalouse. Il utilise le chant amazigh, allié à la mandole, instrument traditionnel.

Matoub Lounes(slavits ayavehri)Zénith 1995 avec Baroudi

Pochette de l'album "lettre ouverte aux..."

Dans son œuvre, il n’eut de cesse de dénoncer la corruption du pouvoir, et la censure qu’il impose et dont il fut victime. Dans son dernier disque, sorti quelques semaines avant son assassinat, « Lettre ouverte aux… », il n’hésite pas à parodier l’hymne algérien et dénonce une nouvelle fois le pouvoir en place. Autre cible favorite de Lounès, l’islamisme qui gangrène alors l’Algérie, aux prises avec une guerre civile particulièrement meurtrière (en 1992, la victoire électorale du Front islamique du salut est annulée par les militaires algériens. Dès lors, les massacres de civils perpétrés par le Groupe Islamique armé, ensanglantent l’Algérie durant une dizaine d’années).

Face à la dictature et l’obscurantisme religieux, Matoub Lounès appelle de ses vœux la démocratie et la laïcité. Il se fait le porte parole des laissés pour compte, de tous ceux qui doivent lutter pour défendre leurs droits (les femmes notamment). Il défend la culture amazighe, qui peine à trouver sa place face à l’hégémonie de la langue arabe, que privilégie le pouvoir.

Matoub Lounès sur TF1

L’exception berbère remonte à la conquête arabe. La langue berbère (tamazagiht) présente un cas exceptionnel de résistance face aux agressions extérieures. Ainsi, dans les années 1980, les manifestations se multiplient en Kabylie afin d’obtenir l’officialisation de la langue berbère (Printemps berbère). Or, cette volonté d’une meilleure reconnaissance des spécificités culturelles kabyles est contrecarrée par le durcissement de l’arabisation en Algérie dans les années 1990. Lors de l’été 1998, la région s’embrase à nouveau avec l’entrée en vigueur d’une loi qui généralise l’usage de la langue arabe dans tous les domaines. La colère atteint son comble avec l’assassinat de Matoub Lounès.

Manifestation de jeunes Kabyles.

En avril 2001, les violences policières accentuent encore les tensions en Kabylie : c’est le printemps noir. Les revendications autonomistes sont portées par le Mouvement pour l’autonomie de la Kabylie, à l’écho limité. Aujourd’hui, la majorité des Kabyles aspirent à une véritable reconnaissance de la pluralité culturelle en Algérie, donc de l’identité berbère (en 2002, le berbère est reconnu comme langue nationale, l’arabe restant a langue officielle). La popularité de Matoub Lounès reste immense en Kabylie et son message plus que jamais d’actualité. Laissons les derniers mots au chanteur, qui chantait dans "Les montagnes sont ma vie".

" Du tribut de mon sang / J’ai irrigué les monts / Mon empreinte s’imprime éternellement / même si ils ont en juré mon anéantissement ; / Qu’ils s’impatientent de me voir mort, / Et qui calomnient mon nom et mon corps / A chaque col, ils devront m’affronter encore / Car je résisterai jusqu’à ma mort. / J’ai laissé mon bien à l’abandon, / Je l’ai trouvé gisant et répugnant, / J’ai porté le regard sur mon honneur, / J’ai vu des bourreaux et tueurs / Bien que la force ait fui mes bras, / Ma voix demeure, elle continuera de retentir."

Liens:

- Paroles des chansons de Matoub Lounès.